Когда Поль Гоген написал Далии в медном вазе в 1885 году, он все еще был парижским биржевым маклером, а не странствующим иконокластом постимпрессионизма. Это произведение принадлежит к тихому, но важному моменту: Гоген писал вместе с Камилем Писсарро в Руане, учился у импрессионистов, но уже испытывал их границы. Эта картина является одной из нескольких цветочных натюрмортов, которые он создал в тот год, жанр, который он вскоре покинет, стремясь к более смелым экспериментам с цветом и формой.

Для Гогена эти цветы были не просто исследованием композиции — они были репетицией для радикальных изменений, которые должны были последовать. Сцена обманчиво проста: густой букет далий, лепестки которых взрываются красными, желтыми и белыми цветами, заполняет потрепанный медный вазу на фоне приглушенных тонов. Мазки Гогена живые, цветы почти вываливаются из своего контейнера, их формы изображены с такой прочностью, которая намекает на его поздний интерес к структуре, а не к мимолетному свету. В отличие от воздушных, мерцающих натюрмортов Моне или Мане, композиция Гогена кажется тяжелой и продуманной; медный вазу закрепляет композицию, его отражающая поверхность отзывается на теплые тона цветов.

Игра тени и света сдержанна, сосредоточивая внимание на тактильном качестве лепестков и металлическом блеске вазы — признак того, что Гоген уже искал что-то более долговечное, чем импрессионистская атмосфера. Ранняя история Далий в медном вазе не полностью задокументирована, что типично для натюрмортов Гогена этого периода, которые часто продавались друзьям или оставлялись позади, когда он перемещался между Парижем и сельской местностью. Его текущее местонахождение известно, но картина редко путешествует, и она остается важной вехой для понимания формирующих лет Гогена. Созданная незадолго до того, как он оставил свою буржуазную жизнь, работа знаменует собой поворотный момент: вскоре после этого Гоген отправится в Бретань, а затем на Таити, изменив свой стиль и курс современного искусства.

Сегодня эта картина ценится не только за свою красоту, но и как окно в беспокойный ум художника на грани переосмысления.