Quando Paul Gauguin dipinse Paradiso Terrestre nel 1888, si trovava a un bivio, sia personalmente che artisticamente. Quell'anno, lasciò Parigi per unirsi a Vincent van Gogh ad Arles, cercando una nuova fratellanza artistica e una rottura radicale con le convenzioni della pittura europea. Quest'opera emerse da quel periodo carico, solo pochi mesi prima del famigerato litigio tra i due uomini.

Il dipinto si erge come una testimonianza precoce del desiderio di Gauguin per un Eden perduto, un tema che avrebbe poi definito i suoi anni in Tahiti. In Paradiso Terrestre, Gauguin evoca una visione di Arcadia: donne si sdraiano sotto gli alberi, i loro corpi a proprio agio, circondate da vegetazione lussureggiante e da un senso di pace languida. Le figure, rese con contorni audaci e colori piatti e vibranti, abitano un mondo intoccato dalla modernità. I rami carichi di frutta sopra di loro e la dolce curva del fiume evocano abbondanza e armonia, mentre i gesti sereni delle donne suggeriscono una vita in sintonia con la natura.

A differenza di Édouard Manet in Le Déjeuner sur l’herbe, che sciocca con la sua urbanità e il suo confronto, la scena di Gauguin è onirica, distante e idealizzata - una fuga deliberata dalle realtà della Francia contemporanea. La storia esatta di Paradiso Terreno è incerta, poiché i registri del periodo di Gauguin ad Arles sono frammentari e il medium del dipinto non è documentato in modo definitivo. Ciò che è certo è che quest'opera segna un momento cruciale nell'evoluzione di Gauguin, prefigurando i suoi successivi esperimenti con il colore e il simbolismo in Polinesia. Oggi, Paradiso Terreno è riconosciuto come un collegamento cruciale tra le prime lotte dell'artista e le sue esplorazioni più famose di mito e paradiso.

Il suo viaggio dall'incertezza della sua creazione al suo posto nel canone del Post-Impressionismo riflette la ricerca inquieta di significato che ha definito la vita e l'arte di Gauguin.