All'inizio del XVII secolo, Peter Paul Rubens tornò dall'Italia ad Anversa, portando con sé il dinamismo e il dramma del Barocco italiano. Tra le scene bibliche che affrontò, nessuna è più carica di urgenza di Lot e la sua famiglia in fuga da Sodoma, dipinta intorno al 1615. Rubens era affascinato dall'energia esplosiva della storia e dalla sua ambiguità morale, e riprese il soggetto più volte; questa versione è particolarmente notevole per il suo movimento vorticoso e le figure carnose, quasi tangibili.

La composizione del dipinto e il suo tono emotivo hanno portato gli studiosi a dibattere se fosse destinato alla devozione privata o come un testamento pubblico di fede e liberazione. Al centro della tela, Lot fugge dalla città in fiamme di Sodoma, stringendo un sacco di beni mentre le sue figlie si affrettano al suo fianco. Sua moglie, guardando indietro contro l'avvertimento dell'angelo, viene colta nell'atto che la trasformerà in una colonna di sale, un momento che Rubens rappresenta con una torsione del suo corpo e uno sguardo di desiderio. La città stessa brucia sullo sfondo, la sua distruzione dipinta in rossi e arancioni infuocati, mentre un angelo, avvolto in vesti fluttuanti, esorta la famiglia a proseguire.

Le figure lussureggianti e muscolose e il palpabile senso di movimento richiamano l'influenza di Michelangelo, ma il modo in cui Rubens gestisce la carne e il tumulto è distintivamente suo. Rispetto alla xilografia più contenuta di Albrecht Dürer sullo stesso episodio, la versione di Rubens è tutta fisicità e caos, enfatizzando sia la fragilità umana che l'intervento divino. La storia precisa di questo dipinto non è completamente documentata, ma il suo stile e la sua scala suggeriscono che sia stata creata durante gli anni più produttivi di Rubens ad Anversa, probabilmente per un ricco mecenate locale. Nel corso del tempo, opere come questa circolarono tra collezionisti desiderosi di dramma biblico reso con la vitalità caratteristica di Rubens.

Oggi, Lot e la sua famiglia in fuga da Sodoma si erge come un testamento della capacità dell'artista di fondere la grandezza italianizzante con il realismo del nord, e rimane un punto culminante di qualsiasi collezione fortunata abbastanza da esporla. Il viaggio del dipinto attraverso mani private e gallerie rispecchia la stessa storia che racconta: sopravvivenza, fuga e il potere duraturo della memoria.