Quando Anthony van Dyck dipinse Madonna e il bambino Cristo che dorme intorno al 1630, era al culmine della sua fama in Italia e in Inghilterra, e le sue tenere immagini religiose erano molto richieste dai mecenati cattolici. Questa composizione è una delle varie scene intime di Madonna e Bambino che creò in quegli anni, ma ciò che distingue questa versione è il suo straordinario senso di quiete materna e vulnerabilità, qualità che la resero particolarmente amata dai collezionisti. Sebbene il patrono esatto rimanga sconosciuto, l'atmosfera delicata del dipinto e la sua scala privata suggeriscono che fosse commissionato per la devozione personale piuttosto che per l'esposizione pubblica.

La popolarità dell'opera è attestata dal numero di copie e versioni che circolarono nei decenni successivi alla sua creazione. La scena cattura la Vergine Maria che culla il bambino Cristo, che giace addormentato sulle sue ginocchia, la sua piccola mano che riposa nella sua. Van Dyck sceglie un momento di pace tranquilla, invitando gli spettatori a contemplare sia l'innocenza dell'infanzia che il triste destino di Cristo. Lo sguardo di Maria è abbassato, la sua espressione velata di malinconia, mentre il suo manto blu e la sua veste rossa richiamano l'iconografia mariana tradizionale.

La luce dorata e morbida accarezza i loro volti, intensificando la sensazione di calore e intimità. A differenza delle serene Madonne di Raffaello, le figure di Van Dyck sono più emotivamente immediate, la loro vulnerabilità espressa attraverso un delicato lavoro di pennello e gesti sottili. La storia successiva di Madonna e il bambino Cristo che dorme è tipica di molte opere devozionali di Van Dyck: la sua provenienza iniziale è incerta, ma probabilmente è passata tra le mani di collezionisti privati in Italia o Fiandre prima di entrare in una collezione pubblica. Nel corso dei secoli, il dipinto è stato lodato per la sua umanità delicata e il suo raffinato tecnicismo, e rimane un punto di riferimento per l'arte religiosa di Van Dyck.

Oggi è riconosciuto come un esempio chiave della capacità dell'artista di mescolare la grandezza del Barocco con un umore profondamente personale e introspettivo. La sua sopravvivenza e la continua ammirazione parlano dell'attrattiva duratura della visione di Van Dyck del sacro reso umano.