Ciò che colpisce per primo in Pan che insegue una Ninfa (verso) è il senso di movimento catturato in volo, la ninfa che si allontana dalla figura minacciosa e semi-formata di Pan. L'artista, Arnold Böcklin, sceglie di non offrirci una superficie lucida e finita, ma lascia le forme grezze e urgenti, come se la caccia stessa si stesse ancora svolgendo sulla carta. Le mani tese della ninfa spingono contro un flusso di ombre e fogliame, il suo corpo bloccato in un momento di tensione e fuga.

Pan, che emerge dall'oscurità con corna e una criniera selvaggia, è più una suggestione che una forma solida, la sua presenza si fa sentire tanto nello sfondo vorticoso quanto nei suoi tratti. La palette, tutta in toni terrosi e ocra, attira le figure nel loro paesaggio mitico, sfumando il confine tra carne e foresta. Creato nel 1855, quest'opera appartiene a un momento in cui i soggetti mitologici offrivano agli artisti un modo per esplorare il selvaggio e l'irrazionale sotto la superficie della società educata. Per il simbolista svizzero Böcklin, i miti antichi non erano racconti lontani, ma drammi viventi, e qui canalizza quell'energia in una scena che è sia primordiale che ambigua.

Tali opere venivano spesso realizzate per collezionisti privati, desiderosi di immagini che alludessero a desideri proibiti e paure antiche, e la qualità incompiuta di questo pezzo approfondisce solo il suo senso di mistero. Ora conservato nella collezione permanente del Museo Thyssen-Bornemisza, il dipinto si erge come una finestra su un mondo in cui i confini tra umano e natura, cacciatore e preda, non sono mai del tutto sicuri — invitando lo spettatore a guardare di nuovo e a chiedersi cosa accadrà dopo.