Ciò che colpisce per primo nell'Natura morta con begonia è il blu elettrico che inonda la tela, un blu così denso e saturo da sembrare vibrare di energia. Su questo sfondo vivido, i fiori arancioni della begonia si accendono, i loro petali contornati da linee scure, quasi da cartone animato, che conferiscono loro una gravità inaspettata. Il tavolo è un'esplosione di colori: un panno rosso corallo si accumula e si torce, affiancato da ciotole e mucchi di frutta, ogni sfera bordata di nero come se l'artista volesse che ogni oggetto pulsasse di vita propria.

La luce qui non è naturalistica; piuttosto, è il colore stesso a richiamare l'attenzione, appiattendo lo spazio e facendo risaltare ogni forma. L'effetto è teatrale, come se la begonia fosse stata proiettata su un palcoscenico, con il suo cast di supporto di frutta e recipienti disposti per un massimo dramma visivo. Dipinta nel 1911, questa natura morta appartiene a un momento in cui artisti come Alexej von Jawlensky si stavano allontanando dal realismo e cercando nuovi modi per esprimere emozioni attraverso il colore e la forma. La palette audace e le forme semplificate parlano dell'influenza di movimenti come il Fauvismo e i primi segni dell'Espressionismo tedesco, dove il colore è stato liberato dalla necessità di imitare la natura.

Opere come questa raramente venivano create per grandi mecenati; invece, venivano spesso dipinte per altri artisti, collezionisti o semplicemente come esercizio per spingere i confini di ciò che la pittura potesse fare. Oggi, Natura morta con begonia è conservata nella Bridgeman Art Library, una testimonianza di un momento inquieto nell'arte europea in cui i pittori credevano che il colore stesso potesse portare il peso del sentimento. Guarda di nuovo quei fiori arancioni e il blu elettrico dietro di loro—Jawlensky ci chiede di vedere il mondo non com'è, ma come potrebbe sentirsi.