O que primeiro chama a atenção em Natureza Morta com Begônia é o azul elétrico que inunda a tela, um azul tão denso e saturado que parece vibrar com energia. Contra esse fundo vívido, as flores laranja da begônia se destacam, suas pétalas contornadas por linhas escuras, quase cartunescas, que lhes conferem uma gravidade inesperada. A mesa é um alvoroço de cores: um pano coral-vermelho se acumula e se retorce, flanqueado por tigelas e montes de frutas, cada esfera contornada em preto como se o artista quisesse que cada objeto pulsasse com sua própria vida.

A luz aqui não é naturalista; em vez disso, é a cor em si que exige atenção, achatando o espaço e fazendo com que cada forma se destaque. O efeito é teatral, como se a begônia tivesse sido lançada a um palco, com seu elenco de apoio de frutas e recipientes dispostos para um máximo drama visual. Pintada em 1911, esta natureza morta pertence a um momento em que artistas como Alexej von Jawlensky estavam se afastando do realismo e buscando novas maneiras de expressar emoção através da cor e da forma. A paleta ousada e as formas simplificadas falam da influência de movimentos como o Fauvismo e os primeiros indícios do Expressionismo Alemão, onde a cor foi libertada da necessidade de imitar a natureza.

Obras como esta raramente eram feitas para grandes patronos; em vez disso, eram frequentemente pintadas para outros artistas, colecionadores ou simplesmente como um exercício para expandir os limites do que a pintura poderia fazer. Hoje, Natureza Morta com Begônia está preservada na Biblioteca de Arte Bridgeman, um testemunho de um momento inquieto na arte europeia quando os pintores acreditavam que a cor em si poderia carregar o peso do sentimento. Olhe novamente para aquelas flores laranja e o azul elétrico atrás delas—Jawlensky nos pede para ver o mundo não como ele é, mas como ele poderia se sentir.