Ciò che colpisce per primo nell'Vergine e Bambino con San Giovanni (schizzo a gesso) è l'intimità delicata e incompiuta del momento: una madre che osserva silenziosamente il suo bambino e il suo compagno, i loro gesti congelati nelle morbide e argentate linee della mano dell'artista. La scena non è affollata di dettagli, ma piuttosto attira l'attenzione dello spettatore sul tenero scambio al suo cuore—San Giovanni, da bambino, che presenta un nido di uccelli al Bambino Cristo, mentre Maria, con un libro in mano, osserva con uno sguardo che mescola vigilanza e affetto. La scelta dell'artista di lasciare l'opera incompleta conferisce alle figure un senso di immediatezza, come se la storia fosse ancora in fase di sviluppo, i contorni a malapena contenenti la loro energia silenziosa.

Il sottile gioco di luce sulla superficie dello schizzo mette in risalto la curva tenera del braccio di Maria e la morbidezza pelosa delle forme dei bambini, invitando lo spettatore a soffermarsi su ogni linea incompleta. Questo tipo di immagine devozionale, così comune all'inizio del XVIII secolo, era destinato a portare le figure sacre nella sfera domestica, rendendo le loro storie accessibili e immediate per gli spettatori dell'epoca. Adriaen van der Werff, noto per il suo trattamento raffinato, quasi scultoreo, del corpo umano, produceva spesso tali studi preparatori come modo per perfezionare le sue composizioni prima di impegnarle sulla tela. La fonte nota che questo pannello potrebbe aver servito come studio per un dipinto successivo, e persino come supporto per un'altra opera in una notevole collezione di Amsterdam.

Creato tra il 1700 e il 1722, questo schizzo è una finestra sia sul processo di lavoro dell'artista che sui gusti devozionali della sua epoca—un'epoca in cui il sacro era spesso immaginato nel linguaggio della tenerezza quotidiana. Le linee incompiute ci invitano a immaginare ciò che avrebbe potuto essere e a guardare di nuovo il dramma silenzioso che si svolge nel gesso.