1581年にパオロ・ヴェロネーゼのスタジオを離れた哀悼は、すでにヨーロッパ全体に広がる対話の一部となっていました。このテーマ、すなわちキリストの遺体に対する哀悼は、ルネサンスのパトロンたちにとってお気に入りでしたが、ヴェロネーゼのバージョンはその劇的な壮大さと色彩で際立っています。この絵画は、ヴェネツィアの私的な礼拝堂のために依頼されたと考えられており、そこではヴェロネーゼの豪華な構図と鮮やかなドラマの評判が最高潮に達していました。多くの同時代の画家とは異なり、ヴェロネーゼは神聖なテーマに対する想像力の自由さから異端審問によって批判されることもありましたが、この作品では彼の創造性が深い感情のシーンに注がれています。この絵画の名声はすぐに広まり、イタリアを超えて流通するコピーや版画を生み出しました。 哀悼の中心には、キリストが十字架から下ろされた後の瞬間があり、彼の無生命の身体は聖母マリアに抱かれ、周囲には哀悼者がいます。ヴェロネーゼは、悲しみが言葉を超えた瞬間を捉えています：マグダラのマリアはキリストの足を抱え、金色の髪が前に垂れ下がり、聖ヨハネは聖母を支えていますが、彼女の顔は悲しみに影を落としています。構図は対角線上に配置された人物によって支えられ、観る者の視線をキリストの青白い姿から上方の涙を流す顔へと導きます。豊かな布地、輝く肌、肉体と絹の上を流れる光の遊びは、喪失感と献身感を一層高めています。アンドレア・マンテーニャのより厳粛な死せるキリストの哀悼と比較すると、ヴェロネーゼのシーンは混雑しており、ほとんどオペラのようであり、孤独な瞑想よりも共同の悲しみを強調しています。 哀悼の元の設定は歴史の中で失われており、その初期の記録は希少です。これは16世紀後半の多くのヴェネツィアの祭壇画に共通する運命です。明らかなのは、この絵画がヴェロネーゼのキャリアの成熟した瞬間を示しており、彼の色彩と物語の扱いが最も豊かだった時期であるということです。何世紀にもわたり、この作品はいくつかのコレクションを経て、時には誤って帰属されたり、より大きな委託作品に影を潜められたりしました。今日、この作品はヴェロネーゼが華やかさと悲しみを融合させる能力の証として認識されており、主要なヨーロッパの博物館に展示され、訪問者をその光、布、感情の世界に引き込んでいます。