1845年にヴェネツィア - 正午が初めて展示されたとき、観客はその光と色のほぼ抽象的な扱いに驚愕しました。この大胆さは、一部の批評家にジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナーが行き過ぎたのではないかと疑問を抱かせました。ターナーの最大の支持者であるジョン・ラスキンは1856年に、こうした晩年の作品は「描かれたというよりも感じられた」と述べており、この言葉はこの絵画を取り巻く革新と論争の感覚を捉えています。ターナーの以前の、より詳細なヴェネツィアの風景とは異なり、このキャンバスは可読性の境界に揺れ動き、実際の景観を表しているのか、記憶や想像によって形作られたビジョンなのかについて、今日でも議論を呼んでいます。 絵画の中心には、正午の太陽がヴェネツィアの潟上で燃え盛り、都市の有名なドームや鐘楼を金色と青の霞に溶かしています。ゴンドラやパラッツォはわずかな示唆に過ぎず、その形はきらめく反射に溶け込んでいます。ターナーは、地中海の光で都市が満たされる最も明るい時間を選び、固体の建築物を色と雰囲気の遊びに還元しました。この効果は、クロード・モネの後のヴェネツィアの研究とあまり変わりませんが、ターナーのアプローチはさらに過激です。彼はほとんどすべての詳細を取り除き、観客に固定されたシーンではなく、瞬間的な印象としてヴェネツィアを体験させることを招いています。 ヴェネツィア - 正午の正確な媒体は今でも議論されています。ターナーは晩年に油彩、水彩、混合技法を試みていました。この絵画の現在の所蔵先はテート・ブリテンで、そこにはターナーの多くのヴェネツィア作品が収蔵されていますが、広く巡回展を行ってきました。彼が貴族のパトロンのために制作した壮大な委託作品とは異なり、この作品は展示と個人的な探求のために描かれた可能性が高く、ターナーが最後の10年間にわたってヴェネツィアに対する魅力を反映しています。今日、ヴェネツィア - 正午はターナーのキャリアの転機として称賛されており、表現の限界を押し広げ、後のヨーロッパ美術の発展への道を開いた作品です。