안토니 반 다이크가 1620년에 그리스도의 애도를 그렸을 때, 그는 겨우 21세였으며 이미 안트워프의 엘리트들의 주목을 받고 있었습니다. 이 작품은 반 다이크가 애도라는 주제를 여러 번 다룬 것 중 하나로, 그는 경력 내내 이 주제로 돌아오며 매번 새로운 감정의 깊이를 탐구했습니다. 이 그림은 젊은 예술가가 피터 폴 루벤스의 작업실에서 작업하던 시기에 속하며, 초기 바로크를 정의하는 극적인 조명과 역동적인 구성을 흡수하고 있었습니다.

학자들은 반 다이크의 버전이 그의 스승보다 더 친밀하고 슬프다고 지적하며, 이 주제에 대한 개인적인 매력을 암시합니다. 그리스도의 애도의 중심에는 성모 마리아, 막달라 마리아, 그리고 성 요한이 애도하는 그리스도의 무생명체가 있습니다. 이 순간은 십자가형 이후의 장면으로, 그리스도의 몸이 막 십자가에서 내려진 상태이며, 그의 상처는 여전히 신선합니다. 마리아는 아들의 손을 꼭 쥐고 슬픔에 찬 얼굴을 하고 있으며, 막달라 마리아는 무릎을 꿇고 금발의 머리카락과 붉은 로브가 그리스도의 창백한 피부와 극명한 대조를 이루고 있습니다.

빛은 인물들 위로 극적으로 떨어져 그들의 고통을 어두운 애매한 배경과 분리시키며, 이 효과가 상실감을 더욱 강조합니다. 루벤스의 더 극적인 버전과는 달리, 반 다이크의 구성은 관객을 공유된 애도의 원으로 끌어들여 제스처와 시선이 인물들을 조용한 교감으로 묶어줍니다. 이 그림의 정확한 초기 역사는 완전히 기록되어 있지 않지만, 그리스도의 애도와 같은 작품은 종종 개인적인 숭배를 위해 또는 플란드르 교회의 제단화로 의뢰되었습니다. 수세기 동안 많은 반 다이크의 초기 종교화가 널리 퍼졌으며, 스타일적 유사성으로 인해 루벤스에게 잘못 귀속되기도 했습니다.

오늘날 그리스도의 애도는 반 다이크의 새로운 목소리의 증거로 자리 잡고 있으며, 바로크의 웅장함과 부드럽고 내성적인 분위기의 균형을 이루고 있습니다. 이 그림은 그가 이탈리아로 떠나기 직전의 예술가의 작품에서 전환점을 나타내며, 그곳에서 그는 독특한 스타일을 더욱 발전시킬 것입니다. 이 그림의 현재 위치는 공공 기록에서 항상 명확하게 나열되지 않으며, 17세기 초 플란드르 예술이 남긴 때때로 단편적인 흔적을 반영합니다.