Lorsque Anthony van Dyck a peint Lamentation du Christ en 1620, il n'avait que vingt et un ans et attirait déjà l'attention de l'élite d'Anvers. Cette œuvre est l'un des plusieurs traitements de la Lamentation par van Dyck, qui est revenu au sujet tout au long de sa carrière, explorant à chaque fois de nouvelles profondeurs émotionnelles. La peinture appartient à une période où le jeune artiste travaillait dans l'atelier de Peter Paul Rubens, absorbant l'éclairage dramatique et les compositions dynamiques qui ont défini le début du Baroque.

Les chercheurs notent que les versions de van Dyck sont plus intimes et tristes que celles de son maître, suggérant une fascination personnelle pour le thème. Au centre de Lamentation du Christ, le corps sans vie du Christ est pleuré par la Vierge Marie, Marie Madeleine et Jean l'Évangéliste. Ce moment est celui qui suit la Crucifixion, le corps du Christ étant tout juste retiré de la croix, ses blessures encore fraîches. Les mains de Marie se joignent à celles de son fils, son visage tordu par le chagrin, tandis que Madeleine est à genoux, ses cheveux dorés et sa robe rouge contrastant fortement avec la pâleur de la peau du Christ.

La lumière tombe de manière dramatique sur les figures, isolant leur souffrance contre un fond sombre et ambigu, un effet qui intensifie le sentiment de perte. Contrairement aux versions plus théâtrales de Rubens, la composition de van Dyck attire le spectateur dans un cercle de deuil partagé, les gestes et les regards liant les figures dans une communion silencieuse. L'histoire précise de ce tableau n'est pas entièrement documentée, mais des œuvres comme Lamentation du Christ étaient souvent commandées pour la dévotion privée ou comme retables dans les églises flamandes. Au fil des siècles, de nombreuses premières peintures religieuses de van Dyck ont beaucoup voyagé, parfois attribuées à tort à Rubens en raison de leurs similitudes stylistiques.

Aujourd'hui, Lamentation du Christ se dresse comme un témoignage de la voix émergente de van Dyck, équilibrant la grandeur du Baroque avec une humeur tendre et introspective. Sa place dans l'œuvre de l'artiste marque un tournant, juste avant son départ pour l'Italie, où il développerait encore plus son style distinctif. La localisation actuelle de la peinture n'est pas toujours clairement indiquée dans les dossiers publics, reflétant la trace parfois fragmentaire laissée par l'art flamand du début du XVIIe siècle.