그늘진 얼굴이 어둠 속에서 드러나고, 눈은 어둠 속에서 반쯤 잃어버린 듯하며, 입은 체념인지 결단인지 알 수 없는 선으로 굳어 있다. 관객을 가장 먼저 사로잡는 것은 빛의 놀이이다: 한 줄기 각진 빛이 광대뼈와 이마를 조각하듯 비추고, 나머지는 배경으로 녹아든다. 이것은 드러내는 만큼 숨기는 초상화이다.

낮게 눌린 모자와 턱 주위의 거친 붓질은 마치 앉아 있는 인물—어쩌면 Theo van Doesburg 자신—이 이 순간을 장식 없이, 단호하게 독립적으로 서기로 선택한 듯한 방어적인 인상을 준다. 팔레트는 자연적이고 차분한 색조로 무게감과 내성적인 느낌을 주며, 두껍고 뚜렷한 붓터치는 살이 생명으로 뛰는 듯한 느낌을 준다. 1906년경에 그려진 이 작품은 변혁의 경계에 있는 세계에 속한다. 20세기 초 네덜란드 초상화는 여전히 전통에 뿌리를 두고 있었지만, van Doesburg와 같은 예술가들은 자아를 보고 표현하는 새로운 방법을 찾기 시작했다.

제목의 불확실성—Self-Portrait (?) by Theo van Doesburg ex collection Krause—은 예술가들이 어떻게 그릴 것인지뿐만 아니라 왜 그릴 것인지에 대해 의문을 제기하던 시대의 불확실성을 반영한다. 역사적으로 이 특정 캔버스에 대한 흔적은 2000년 Oeuvrecatalogus에 나열된 것 외에는 거의 남아 있지 않지만, 그 음울한 존재는 우리를 머물게 하고, 그림 뒤에 있는 남자와 순간을 찾도록 초대한다.