Ein schattiges Gesicht taucht aus der Dunkelheit auf, die Augen halb im Schatten verloren, der Mund in einer Linie, die Resignation oder Entschlossenheit bedeuten könnte. Das Erste, was den Betrachter fesselt, ist das Spiel mit dem Licht: Ein einzelner, schräger Strahl schnitzt die Wangenknochen und die Stirn heraus und lässt den Rest im Hintergrund verschwinden. Dies ist ein Porträt, das so viel zurückhält, wie es offenbart.

Der tief gezogene Hut und die grobe Pinselarbeit um den Kiefer erzeugen den Eindruck von Zurückhaltung, als ob der Dargestellte—vielleicht Theo van Doesburg selbst—diesen Moment gewählt hat, um sich abzugrenzen, schmucklos und unbeugsam. Die Farbpalette ist erdig und gedämpft, was ein Gefühl von Schwere und Introspektion verleiht, während die dicken, sichtbaren Pinselstriche das Fleisch lebendig erscheinen lassen. Um 1906 gemalt, gehört dieses Werk zu einer Welt am Rande der Transformation. Die niederländische Porträtkunst zu Beginn des 20.

Jahrhunderts war noch stark von Tradition geprägt, aber Künstler wie van Doesburg begannen, nach neuen Wegen zu suchen, um das Selbst zu sehen und zu zeigen. Die Unsicherheit des Titels—Selbstporträt (?) von Theo van Doesburg ex Sammlung Krause—spiegelt die Unsicherheit der Zeit wider, eine Zeit, in der Künstler nicht nur fragten, wie man malt, sondern auch warum. Die Geschichte hat von dieser speziellen Leinwand nur wenige Spuren hinterlassen, abgesehen von ihrer Auflistung im Oeuvrecatalog von 2000, doch ihre düstere Präsenz lädt uns ein, zu verweilen und in den Schatten nach dem Mann und dem Moment hinter der Farbe zu suchen.