Quando Pierre-Auguste Renoir pintou Bouquet em 1919, estava a poucos meses de sua morte, com as mãos debilitadas pela artrite e o pincel amarrado aos dedos. Esta obra tardia se destaca como uma de suas últimas declarações, um testemunho de sua devoção ao longo da vida pela cor e pela beleza, mesmo quando sua força física diminuía. Visitantes de seu estúdio em Les Collettes, em Cagnes-sur-Mer, lembravam-se de vê-lo laboriosamente aplicando tinta, recusando-se a deixar que a doença interrompesse sua arte.

Assim, a pintura captura não apenas flores, mas a persistência da visão artística diante do declínio. Em Bouquet, um exuberante aglomerado de flores brota de um simples vaso, as pétalas representadas em pinceladas soltas e vibrantes que se dissolvem umas nas outras. Renoir opta por não definir cada caule ou folha, permitindo que a cor e a luz sugiram as formas—rosas, talvez, ou peônias, cujas identidades se confundem na névoa de sua pincelada. A composição parece íntima, como se as flores tivessem sido recém-colhidas e colocadas em um canto iluminado pelo sol.

Ao contrário das nítidas e analíticas naturezas-mortas de Paul Cézanne, a abordagem de Renoir é toda calor e imediata, convidando o espectador a experimentar o prazer sensorial da cor e da superfície. A história exata inicial de Bouquet não está completamente documentada, mas pertence a uma série de últimas naturezas-mortas que Renoir pintou em seus últimos anos, muitas vezes como presentes para amigos ou para decorar sua casa. Após sua morte em dezembro de 1919, muitas dessas obras foram dispersas entre coleções privadas, às vezes passando silenciosamente pelo mercado de arte antes de serem reconhecidas como produtos de seu último impulso criativo. Hoje, Bouquet é celebrado como um exemplo comovente do otimismo duradouro de Renoir e sua capacidade de encontrar alegria na pintura até o final de sua vida.