Lorsque Pierre-Auguste Renoir a peint Bouquet en 1919, il était à quelques mois de sa mort, ses mains déformées par l'arthrite et son pinceau attaché à ses doigts. Cette œuvre tardive se dresse comme l'une de ses dernières déclarations, un témoignage de sa dévotion de toute une vie à la couleur et à la beauté, même lorsque sa force physique s'amenuisait. Les visiteurs de son atelier à Les Collettes à Cagnes-sur-Mer se souvenaient de l'avoir vu laborieusement appliquer de la peinture, refusant de laisser la maladie entraver son art.

Ainsi, la peinture capture non seulement des fleurs, mais aussi la persistance de la vision artistique face au déclin. Dans Bouquet, un luxuriant bouquet de fleurs jaillit d'un simple vase, les pétales rendus en coups de pinceau lâches et vibrants qui se dissolvent les uns dans les autres. Renoir choisit de ne pas définir chaque tige ou feuille, laissant plutôt la couleur et la lumière suggérer les formes—des roses, peut-être, ou des pivoine, dont les identités se brouillent dans la brume de son coup de pinceau. La composition semble intime, comme si les fleurs venaient d'être cueillies et déposées dans un coin ensoleillé.

Contrairement aux natures mortes nettes et analytiques de Paul Cézanne, l'approche de Renoir est toute chaleur et immédiateté, invitant le spectateur à éprouver le plaisir sensuel de la couleur et de la surface. L'histoire exacte précoce de Bouquet n'est pas entièrement documentée, mais elle appartient à une série de dernières natures mortes que Renoir a peintes dans ses dernières années, souvent comme des cadeaux pour des amis ou pour décorer sa maison. Après sa mort en décembre 1919, beaucoup de ces œuvres ont été dispersées dans des collections privées, passant parfois silencieusement par le marché de l'art avant d'être reconnues comme des produits de sa dernière poussée créative. Aujourd'hui, Bouquet est célébré comme un exemple poignant de l'optimisme durable de Renoir et de sa capacité à trouver de la joie dans la peinture jusqu'à la toute fin de sa vie.