O que primeiro chama a atenção em Phyllis é a sensação de uma figura presa em meio a uma transformação ou fuga, seu corpo meio emergindo de um emaranhado de ramos floridos. O cabelo cobre da jovem e sua pele pálida parecem quase luminosos contra a pincelada áspera e esboçada das árvores e a sugestão distante de uma cidade pálida sob um céu inquieto. Waterhouse direciona o olhar do espectador ao longo do arco de suas costas, convidando-nos a nos perguntar o que ela está alcançando, ou talvez do que está fugindo, além da moldura.

As flores, representadas com toques rápidos e brilhantes, insinuam a chegada da primavera, mas sua colocação ao redor de seu corpo também sugere uma fusão de carne e folhagem, como se ela fosse parte da paisagem e ao mesmo tempo estivesse se libertando dela. Obras como esta, criadas no final do século XIX ou no início do século XX, frequentemente se baseavam em mitos e poesia para explorar temas de metamorfose, anseio e a fronteira entre o humano e o mundo natural. John William Waterhouse era renomado por sua sensibilidade pré-rafaelita, entrelaçando temas clássicos e literários em cenas exuberantes e carregadas de emoção. Embora pouco esteja documentado sobre esta pintura específica—agora registrada como Lote 36 da Sotheby's— a qualidade inacabada e o tratamento solto da tinta revelam o processo do artista, oferecendo um raro vislumbre da construção de uma visão mítica.

A obscuridade da pintura apenas aguça seu senso de mistério, convidando-nos a nos demorar sobre os traços visíveis da mão de Waterhouse e a história não resolvida que se desenrola entre as flores.