Was zuerst ins Auge fällt an Phyllis, ist das Gefühl einer Figur, die mitten in einer Transformation oder Flucht gefangen ist, ihr Körper, der halb aus einem Gewirr blühender Äste auftaucht. Das kupferne Haar und die helle Haut der jungen Frau scheinen fast leuchtend zu sein gegen die grobe, skizzenhafte Pinselarbeit der Bäume und die entfernte Andeutung einer blassen Stadt unter einem unruhigen Himmel. Waterhouse lenkt den Blick des Betrachters entlang des Bogens ihres Rückens und lädt uns ein, uns zu fragen, wonach sie greift oder vielleicht vor was sie flieht, jenseits des Rahmens.

Die Blüten, mit schnellen, hellen Strichen dargestellt, deuten auf das Kommen des Frühlings hin, aber ihre Platzierung um ihren Körper lässt auch auf eine Verschmelzung von Fleisch und Laub schließen, als wäre sie sowohl Teil der Landschaft als auch dabei, sich von ihr zu befreien. Werke wie dieses, die Ende des 19. oder Anfang des 20. Jahrhunderts geschaffen wurden, griffen oft auf Mythen und Poesie zurück, um Themen wie Metamorphose, Sehnsucht und die Grenze zwischen Menschlichem und Natürlichem zu erkunden.

John William Waterhouse war bekannt für seine präraffaelitische Sensibilität, die klassische und literarische Themen in üppige, emotional aufgeladene Szenen webte. Während über dieses spezifische Gemälde—jetzt als Los 36 von Sotheby's dokumentiert—wenig bekannt ist, offenbaren die unvollendete Qualität und die lockere Handhabung der Farbe den Prozess des Künstlers und bieten einen seltenen Einblick in die Konstruktion einer mythischen Vision. Die Unklarheit des Gemäldes schärft nur sein Gefühl von Geheimnis und lädt uns ein, über die sichtbaren Spuren von Waterhouses Hand und die ungelöste Geschichte, die sich zwischen den Blüten entfaltet, zu verweilen.