Als Peter Paul Rubens um 1630 Briseis an Achilles zurückgegeben malte, griff er eine Geschichte auf, die Künstler und Mäzene über Jahrhunderte fasziniert hatte, jedoch mit einer Wendung: Diese Version wurde wahrscheinlich als Teil einer Serie für die spanische königliche Sammlung geschaffen, um die Größe und die Leidenschaften der antiken Welt zu feiern. Das Thema, entnommen aus Homers Ilias, war bereits zuvor von Rubens gemalt worden, doch diese Komposition sticht durch ihre theatralische Größe und emotionale Intensität hervor. Es ist eines von mehreren mythologischen Gemälden, die Rubens für Philipp IV.

von Spanien schuf, der die Fähigkeit des Künstlers bewunderte, antike Geschichten in lebendiges Drama zu verwandeln. Die Reise des Gemäldes durch die spanischen königlichen Inventare ist gut dokumentiert und spiegelt seine anhaltende Anziehungskraft am Hof wider. Die Szene, die Rubens wählte, ist der aufgeladene Moment, in dem Briseis, die Gefangene und Geliebte von Achilles, ihm zurückgegeben wird, nachdem Agamemnon gezwungen ist, nachzugeben. Achilles sitzt im Zentrum, sein Gesichtsausdruck zwischen Wut und Sehnsucht zerrissen, während Briseis, in leuchtende Stoffe gehüllt, von Dienern zu ihm geführt wird.

Die Gesten sind eloquent: Achilles' ausgestreckter Arm heißt willkommen und zögert zugleich, während Briseis' gesenkte Augen Trauer und Unsicherheit andeuten. Die wirbelnden Figuren und reichen Farben der Komposition verstärken die emotionale Spannung, ein Markenzeichen von Rubens' Barock Stil. Im Vergleich zu Jacques-Louis Davids späterer neoklassizistischer Behandlung desselben Mythos ist Rubens' Version tumultuöser und betont das Gefühl über die Zurückhaltung. Briseis an Achilles zurückgegeben ist seit seiner Entstehung in Spanien geblieben und hat verschiedene königliche Residenzen durchlaufen, bevor es in die Sammlung des Museo del Prado aufgenommen wurde, wo es heute hängt.

Sein Überleben durch Kriege und politische Umwälzungen zeugt von der hohen Wertschätzung, die Rubens' mythologischen Werke genossen. Das Gemälde ist ein Zeugnis von Rubens' Spätwerk, als er auf dem Höhepunkt seines internationalen Ruhms war und ständig von den mächtigsten Mäzenen Europas nachgefragt wurde. Obwohl das genaue Medium nicht verzeichnet ist, sind die große Skala und die Bravourtechnik typisch für Rubens' Ölgemälde dieser Zeit.

Heute steht es als lebendiges Beispiel dafür, wie die Leidenschaften antiker Helden für ein Publikum des 17. Jahrhunderts unmittelbar und real werden konnten.