Als Paolo Veronese Das Fest im Haus des Simon dem Pharisäer 1572 enthüllte, hatte er gerade die Prüfung der Inquisition wegen einer anderen seiner großartigen Bankettszenen überstanden. Die venezianischen Behörden hatten ihn im Jahr zuvor einberufen, um sich für die Einbeziehung dessen zu verantworten, was sie als respektlose Details in seinen biblischen Gemälden ansahen. Anstatt sein Werk zu ändern, änderte Veronese einfach den Titel, ein Zeugnis seines Witzes und der angespannten Atmosphäre, in der diese großen Feste gemalt wurden.

Das vorliegende Gemälde, das für das Refektorium des Servitenklosters in Venedig geschaffen wurde, steht als direkte Antwort auf dieses Klima — seine Größe und sein Spektakel sind eine kühne Bekräftigung der künstlerischen Freiheit im Heiligen. Die Geschichte entfaltet sich in dem Moment, als Christus, der an Simons Tisch liegt, von einer Frau angesprochen wird, die in den Evangelien als Sünderin bekannt ist. Sie kniet zu seinen Füßen, badet sie mit ihren Tränen und trocknet sie mit ihrem Haar, ein Akt der Demut und Hingabe, der die Pharisäer empört. Veronese platziert dieses Drama inmitten eines üppigen venezianischen Banketts, mit Marmorsäulen, Seidenstoffen und einer Menge von Gästen, deren Gesten und Blicke das Auge des Betrachters auf den zentralen Akt der Vergebung lenken.

Der Hund am unteren Rand, das Silberbesteck und die Musiker sind keine bloßen Dekorationen: Sie verankern die heilige Geschichte in der Welt von Veroneses Gönnern, so wie Leonardo da Vinci es mit seinem eigenen Abendmahl tat, obwohl Veroneses Behandlung theatralischer und seine Farben jubilierender sind. Auftrag der Serviten, blieb Das Fest im Haus des Simon dem Pharisäer bis zur napoleonischen Unterdrückung der religiösen Häuser zu Beginn des 19. Jahrhunderts in Venedig, nach der es in die Pinacoteca di Brera in Mailand transferiert wurde, wo es heute hängt. Das Gemälde ist ein herausragendes Beispiel des venezianischen Cinquecento, das Veroneses charakteristische Mischung aus biblischer Erzählung und zeitgenössischem Pomp zeigt.

Seine Reise vom klösterlichen Speisesaal zum öffentlichen Museum spiegelt das Schicksal vieler großangelegter religiöser Werke nach politischen Umwälzungen wider. Für Veronese markiert dieses Gemälde eine Zeit sowohl der Kontroversen als auch des Triumphes und festigt seinen Ruf als Maler, der selbst das vertrauteste Evangeliumsepisode in ein strahlendes Spektakel verwandeln konnte.