Cuando Paolo Veronese presentó El banquete en la casa de Simón el fariseo en 1572, apenas había superado el escrutinio de la Inquisición por otra de sus grandiosas escenas de banquete. Las autoridades venecianas lo habían convocado el año anterior para responder por incluir lo que consideraban detalles irreverentes en sus pinturas bíblicas. En lugar de alterar su obra, Veronese simplemente cambió el título, un testimonio de su ingenio y del ambiente tenso en el que se pintaron estos vastos banquetes.

La pintura en cuestión, creada para el refectorio del convento de los Siervos en Venecia, se erige como una respuesta directa a este clima: su escala y espectáculo son una audaz afirmación de la libertad artística dentro de lo sagrado. La historia se desarrolla en el momento en que Cristo, reclinado en la mesa de Simón, es abordado por una mujer conocida en los Evangelios como pecadora. Ella se arrodilla a sus pies, bañándolos con sus lágrimas y secándolos con su cabello, un acto de humildad y devoción que escandaliza a los fariseos. Veronese sitúa este drama en medio de un suntuoso banquete veneciano, con columnas de mármol, sedas y una multitud de invitados, cuyos gestos y miradas atraen la atención del espectador hacia el acto central de perdón.

El perro en el borde inferior, la cubertería y los músicos no son meros adornos: anclan la historia sagrada en el mundo de los mecenas de Veronese, tal como Leonardo da Vinci hizo con su propio Última Cena, aunque el tratamiento de Veronese es más teatral y sus colores más jubilosos. Encargada por los Siervos, El banquete en la casa de Simón el fariseo permaneció en Venecia hasta la supresión napoleónica de las casas religiosas a principios del siglo XIX, tras lo cual fue trasladada a la Pinacoteca di Brera en Milán, donde cuelga hoy. La pintura es un ejemplo primordial del Cinquecento veneciano, mostrando la mezcla característica de Veronese entre narrativa bíblica y pompa contemporánea. Su viaje desde el comedor monástico hasta el museo público refleja el destino de muchas obras religiosas de gran escala tras la agitación política.

Para Veronese, esta pintura marca un período de controversia y triunfo, consolidando su reputación como un pintor que podía convertir incluso el episodio evangélico más familiar en un espectáculo deslumbrante.