Im Winter 1885 lebte Vincent van Gogh im niederländischen Dorf Nuenen und skizzierte und malte obsessiv das Leben der einheimischen Arbeiter. In dieser Zeit schuf er eine Reihe von Werken, die sich auf Bauern bei der Arbeit konzentrierten, was in seinem ersten großen Gemälde, Die Kartoffelesser, gipfelte. Zwei bäuerliche Frauen beim Graben sticht unter diesen Studien durch seine rohe, fast skulpturale Darstellung der Arbeit hervor—ein Thema, das van Gogh sowohl als edel als auch als unterrepräsentiert in der Kunst betrachtete.

Der Künstler schrieb an seinen Bruder Theo: „Ich möchte Männer und Frauen malen mit diesem Etwas des Ewigen, das der Heiligenschein einst symbolisierte, und das wir durch das tatsächliche Strahlen und die Vibration unserer Farben zu vermitteln suchen.“ Dieses Gemälde ist eines von mehreren, in denen van Gogh mit erdigen Tönen und kräftigen Pinselstrichen experimentierte, um die Würde des ländlichen Lebens einzufangen. Im Zentrum von Zwei bäuerliche Frauen beim Graben stehen zwei Figuren, die sich über den Boden beugen, ihre Körper verschmelzen mit dem Land, das sie bestellen. Das Gemälde fängt einen Moment gemeinsamer Arbeit ein: Eine Frau sticht mit ihrer Schaufel in die Erde, während die andere sich stabilisiert, ihre Gesten hallen im Rhythmus der Arbeit wider. Die gedämpfte Palette—dominiert von Brauntönen, Ockern und Grautönen—spiegelt die Härte der Jahreszeit und die Kargheit ihrer Welt wider.

Im Gegensatz zu Jean-François Millet, dessen Bauern oft in Momenten der Reflexion oder des Gebets innehalten, sind van Goghs Frauen in Bewegung eingefangen, anonym und vertieft in ihre Aufgabe. Der Mangel an Gesichtszügen lenkt die Aufmerksamkeit auf ihre Körperlichkeit und macht ihre Arbeit zum eigentlichen Thema. Das genaue Medium von Zwei bäuerliche Frauen beim Graben bleibt ungewiss, ebenso wie seine frühe Provenienz; es ist wahrscheinlich eines der Ölstudien, die van Gogh zur Vorbereitung auf größere Kompositionen anfertigte. Werke aus dieser Nuenen-Periode fanden zu Lebzeiten van Goghs selten Käufer, und viele blieben in der Familie oder wurden nach seinem Tod verstreut.

Heute wird das Gemälde als ein wichtiger Schritt in van Goghs künstlerischer Entwicklung anerkannt, der seine niederländischen Wurzeln mit dem lebendigeren Stil verbindet, den er in Frankreich entwickeln würde. Es steht als Zeugnis seines Engagements, die Realitäten des ländlichen Daseins darzustellen, und seines Glaubens—ausgedrückt in unzähligen Briefen—dass „es mehr Seele in einem Paar abgedroschener Hände gibt als in allen Lilien des Feldes.“