Cuando Bailarinas en el escenario apareció por primera vez en 1889, fue reconocida instantáneamente como parte de la incansable exploración del mundo del ballet por Edgar Degas, un tema al que regresó más de 1,500 veces en dibujos, pasteles y pinturas. Lo que distingue a esta obra es su medio incierto; a diferencia de sus pasteles u óleos más famosos, la técnica exacta sigue siendo objeto de debate, añadiendo una capa de misterio tanto para académicos como para conservadores. La pintura pertenece a un período prolífico en el que Degas experimentaba con nuevos materiales y enfoques, a menudo combinando medios de maneras que desafiaban una clasificación sencilla.

Esta experimentación fue tan radical que incluso sus contemporáneos a veces luchaban por categorizar sus obras, como se señaló en una reseña de 1889 que lamentaba "el extraño y polvoriento brillo de sus bailarinas." El lugar de la pintura en esta fase experimental la convierte en un punto de referencia para entender la inquieta innovación de Degas. La escena que Degas captura no es una gran actuación, sino un momento fugaz, casi privado, en el escenario. Las bailarinas se agrupan en los pies del escenario, sus tutús atrapando el resplandor, algunas en medio de un paso mientras otras esperan, ajustando una cinta o mirando hacia las bambalinas. La composición está recortada, como si se viera a través de los ojos de un espectador distraído por el bullicio en el borde del escenario.

Este encuadre desequilibrado, con figuras cortadas por el borde del lienzo, fue radical para su época y refleja la influencia de las impresiones japonesas, que Degas coleccionaba avidamente. A diferencia de las pulidas y formales representaciones de la vida parisina de Jean-Béraud, las bailarinas de Degas son capturadas en movimiento y en momentos intermedios, sus gestos y posturas revelando la tensión física detrás de la ilusión de gracia. La procedencia de Bailarinas en el escenario está menos documentada que la de algunas de las otras obras de ballet de Degas, pero es típica de su enfoque en el mundo de la danza en su carrera tardía. Muchas de estas piezas permanecieron en el estudio del artista hasta su muerte en 1917, después de lo cual fueron dispersadas a través de ventas y legados.

Hoy en día, esta pintura forma parte de una importante colección de museo, donde se estudia tanto por su innovación técnica como por su visión del proceso artístico de Degas. Se erige como un testimonio de su fascinación por el movimiento, la luz y el trabajo no visto de la actuación, una obsesión que definió las últimas décadas de su carrera y ayudó a dar forma a la dirección del Impresionismo.