En junio de 1889, confinado dentro de las paredes del asilo de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy, Vincent van Gogh pintó Jardín del Hospital de Saint-Paul con Figura, una de las más de una docena de vistas que realizó de los jardines salvajes del hospital durante su estancia de un año. Este período estuvo marcado tanto por un intenso sufrimiento como por una extraordinaria productividad: van Gogh escribió a su hermano Theo: "Estoy trabajando como un loco, pero por el momento no estoy pensando en exposiciones ni en ganar dinero." El jardín se convirtió en su santuario, un laboratorio vivo para sus experimentos con el color y la técnica del pincel, y el escenario de algunos de sus paisajes más cargados emocionalmente. La pintura captura una figura solitaria—probablemente un compañero paciente o quizás un miembro del personal—caminando entre macizos de flores enredados y cipreses bañados por el sol. La composición está viva con las características pinceladas en espiral de van Gogh y colores vibrantes y contrastantes: el follaje amarillo-verde palpita contra las sombras azules frías, mientras que la presencia de la figura es a la vez humilde y enigmática.

A diferencia de escenas de jardín más formales anteriores de artistas como Claude Monet en El Jardín del Artista en Giverny, la visión de van Gogh se centra menos en el orden y más en la energía inquieta de la naturaleza y la mente. Los caminos desordenados del jardín y las paredes del hospital que lo encierran sugieren tanto el confinamiento como la posibilidad de renovación. Jardín del Hospital de Saint-Paul con Figura fue probablemente pintado en el lugar, al aire libre, como era la costumbre de van Gogh durante su tiempo en Saint-Rémy. La historia de propiedad de la obra está menos documentada que la de algunas de sus otras pinturas, pero ahora se encuentra en una importante colección pública, un testimonio de la fascinación duradera por el período tardío de van Gogh.

Creada apenas un año antes de su muerte, esta pintura se erige como un vívido registro de la lucha y la resiliencia del artista, y del poder transformador que encontró en el acto de pintar en sí mismo.