En juin 1889, confiné dans les murs de l'asile de Saint-Paul-de-Mausole à Saint-Rémy, Vincent van Gogh a peint Jardin de l'Hôpital de Saint-Paul avec Figure—l'une des plus d'une douzaine de vues qu'il a réalisées des jardins sauvages de l'hôpital pendant son séjour d'un an. Cette période a été marquée à la fois par une souffrance intense et une productivité extraordinaire : van Gogh a écrit à son frère Theo : "Je travaille comme un fou, mais pour le moment je ne pense pas aux expositions ni à gagner de l'argent." Le jardin est devenu son sanctuaire, un laboratoire vivant pour ses expériences avec la couleur et le coup de pinceau, et le cadre de certains de ses paysages les plus chargés d'émotion. La peinture capture une figure solitaire—probablement un patient ou peut-être un membre du personnel—marchant parmi des parterres de fleurs enchevêtrés et des cyprès baignés de soleil. La composition est vivante avec les coups de pinceau tourbillonnants caractéristiques de van Gogh et des couleurs vibrantes et contrastées : le feuillage jaune-vert pulse contre les ombres bleues fraîches, tandis que la présence de la figure est à la fois humble et énigmatique.

Contrairement aux scènes de jardin plus formelles antérieures d'artistes comme Claude Monet dans Le Jardin de l'Artiste à Giverny, la vision de van Gogh est moins axée sur l'ordre et plus sur l'énergie agitée de la nature et de l'esprit. Les chemins envahis du jardin et les murs de l'hôpital qui l'entourent suggèrent à la fois le confinement et la possibilité de renouveau. Jardin de l'Hôpital de Saint-Paul avec Figure a probablement été peint sur place, en plein air, comme c'était l'habitude de van Gogh pendant son séjour à Saint-Rémy. L'histoire de propriété de l'œuvre est moins documentée que celle de certaines de ses autres peintures, mais elle est maintenant conservée dans une importante collection publique, un témoignage de la fascination durable pour la période tardive de van Gogh.

Créée juste un an avant sa mort, cette peinture se dresse comme un enregistrement vivant de la lutte et de la résilience de l'artiste, et du pouvoir transformateur qu'il a trouvé dans l'acte même de peindre.