Cuando Peter Paul Rubens pintó Paisaje con una carreta alrededor de 1630, ya era celebrado en toda Europa por sus amplias escenas mitológicas y dinámicos retablos religiosos. Sin embargo, esta obra se destaca: es uno de los raros paisajes de Rubens donde el drama humano no es mítico ni bíblico, sino que está arraigado en lo cotidiano: una carreta, caballos y viajeros enfrentándose a un camino embarrado. La fama de la pintura creció en la propia vida del artista, ya que se decía que Rubens la pintó para su propio placer, no por encargo, y la mantuvo en su colección personal hasta su muerte. La escena captura un momento de lucha: una pesada carreta, tirada por caballos esforzándose, está atrapada en la tierra surcada bajo un cielo vivo con nubes en movimiento.

Rubens congela el instante en que el hombre, la bestia y la naturaleza están en competencia: el cochero instando al equipo a avanzar, los pasajeros asomándose ansiosamente, las ruedas medio hundidas en el barro. Las formas retorcidas de los caballos, representadas con energía muscular, reflejan el movimiento de las nubes arriba, mientras que el destello de la luz del sol en el camino mojado sugiere una tormenta reciente. A diferencia de la calma idílica de los paisajes de Claude Lorrain, el campo de Rubens es impredecible y crudo, capturando los verdaderos peligros de viajar en la Flandes del siglo XVII. La historia temprana exacta de Paisaje con una carreta sigue siendo incierta, pero se cree ampliamente que Rubens la pintó para su propia propiedad en Het Steen, donde pasó sus últimos años inmerso en el campo flamenco.

Tras su muerte, la pintura pasó por las manos de coleccionistas que la valoraron como una mirada íntima al mundo privado del artista. Hoy en día, cuelga en el Museo del Prado, un testimonio de la fascinación de Rubens por el drama de la naturaleza y la vida cotidiana: un raro paisaje de un pintor más conocido por dioses y héroes.