Quando Peter Paul Rubens dipinse Paesaggio con una carrozza intorno al 1630, era già celebrato in tutta Europa per le sue ampie scene mitologiche e i dinamici altari religiosi. Tuttavia, quest'opera si distingue: è uno dei rari paesaggi di Rubens in cui il dramma umano non è mitico o biblico, ma radicato nella quotidianità: una carrozza, cavalli e viaggiatori che affrontano una strada fangosa. La fama del dipinto crebbe durante la vita dell'artista, poiché si diceva che Rubens lo avesse dipinto per il proprio piacere, non su commissione, e lo avesse tenuto nella sua collezione personale fino alla sua morte. La scena cattura un momento di lotta: una pesante carrozza, trainata da cavalli che si sforzano, è bloccata nella terra solcata sotto un cielo vivo di nuvole in movimento.

Rubens congela l'istante in cui uomo, bestia e natura sono in competizione: il cocchiere che incita il team ad avanzare, i passeggeri che guardano ansiosamente, le ruote parzialmente affondate nel fango. Le forme contorte dei cavalli, rese con energia muscolare, rispecchiano il movimento delle nuvole sopra, mentre il riflesso della luce del sole sulla strada bagnata suggerisce una tempesta recente. A differenza della calma idilliaca dei paesaggi di Claude Lorrain, la campagna di Rubens è imprevedibile e cruda, catturando i veri pericoli del viaggio nella Fiandra del XVII secolo. La storia esatta di Paesaggio con una carrozza rimane incerta, ma si crede ampiamente che Rubens l'abbia dipinta per la sua proprietà a Het Steen, dove trascorse gli ultimi anni immerso nella campagna fiamminga.

Dopo la sua morte, il dipinto passò di mano in mano tra collezionisti che lo apprezzavano come uno sguardo intimo nel mondo privato dell'artista. Oggi, è esposto al Museo del Prado, un testimone della fascinazione di Rubens per il dramma della natura e della vita quotidiana: un raro paesaggio di un pittore più noto per dei e eroi.