Lo que primero llama la atención en San Francisco recibe los estigmas es el momento de éxtasis, capturado a medio aliento, mientras el rostro alzado del santo y sus brazos abiertos reciben rayos de luz roja de una visión serafina en lo alto. La composición te sumerge en el drama: Francisco se encuentra solo en el centro, su hábito marrón representado en tonos profundos y terrosos que lo anclan al suelo en sombras, mientras su mirada y los rayos milagrosos atraen tu atención hacia arriba. Las líneas de luz, casi como hilos, conectan las heridas de la figura crucificada en el cielo con las propias manos, pies y costado de Francisco, haciendo visible lo invisible, el momento de transformación mística.

A su alrededor, el mundo se desvanece en el crepúsculo y el silencio; un monje compañero se arrodilla en las sombras, con la cabeza inclinada, como si no pudiera ser testigo de la intensidad de lo que se desarrolla. Pintada entre 1724 y 1733 por Antoni Viladomat, esta obra pertenece a una tradición que floreció en la Europa católica, donde las escenas de la vida de San Francisco de Asís eran favorecidas por patronos religiosos ansiosos por inspirar devoción. Tales pinturas a menudo estaban destinadas a capillas o entornos monásticos, diseñadas para hacer tangible lo milagroso para los espectadores que quizás nunca experimentarían tal éxtasis por sí mismos. La cálida luz dorada que filtra a través del follaje y el cuidadoso modelado de los rasgos de Francisco reflejan la sensibilidad del último Barroco, donde la emoción y la teatralidad eran valoradas.

La historia ha dejado pocos rastros del viaje de este lienzo en particular, pero su presencia en la colección del Google Cultural Institute hoy nos invita a ponernos ante él como peregrinos, siguiendo las líneas rojas de regreso a su origen.