Ciò che colpisce per primo nell'opera San Francesco riceve le stigmate è il momento di estasi, catturato a metà respiro, mentre il volto rivolto verso l'alto del santo e le sue braccia aperte ricevono raggi di luce rossa da una visione serafica sopra di lui. La composizione ti coinvolge nel dramma: Francesco si trova solo al centro, il suo abito marrone reso in toni profondi e terrosi che lo ancorano al suolo ombreggiato, mentre il suo sguardo e i raggi miracolosi attirano la tua attenzione verso l'alto. Le linee di luce, quasi filamentose, collegano le ferite della figura crocifissa nel cielo alle stesse mani, piedi e fianco di Francesco, rendendo visibile l'invisibile, il momento di trasformazione mistica.

Intorno a lui, il mondo si ritira nel crepuscolo e nel silenzio; un monaco compagno si inginocchia nell'ombra, con la testa china, come se non potesse testimoniare l'intensità di ciò che si svolge. Dipinta tra il 1724 e il 1733 da Antoni Viladomat, quest'opera appartiene a una tradizione che fiorì nell'Europa cattolica, dove le scene della vita di San Francesco d'Assisi erano favorite da mecenati religiosi desiderosi di ispirare devozione. Tali dipinti erano spesso destinati a cappelle o ambienti monastici, progettati per rendere il miracoloso tangibile per gli spettatori che potrebbero non vivere mai un'estasi simile. La calda luce dorata che filtra attraverso il fogliame e la cura nel modellare i tratti di Francesco riflettono la sensibilità del tardo Barocco, dove l'emozione e la teatralità erano apprezzate.

La storia ha mantenuto poche tracce del viaggio di questa particolare tela, ma la sua presenza nella collezione del Google Cultural Institute oggi ci invita a presentarci davanti ad essa come pellegrini, seguendo le linee rosse fino alla loro fonte.