En 1661, durante el apogeo de su carrera tardía, Rembrandt van Rijn pintó Santiago el Mayor orando como parte de una notable serie de apóstoles, cada uno representado con una individualidad y profundidad psicológica sorprendentes. Lo que hace que esta pintura sea especialmente fascinante es que fue creada sin un encargo conocido, lo que sugiere que Rembrandt persiguió el tema por razones personales o artísticas, algo poco común en las grandes obras religiosas de la Edad de Oro holandesa. La serie en sí se dispersó poco después de su creación, y varios de los retratos de los apóstoles se han perdido o se desconoce su ubicación, lo que convierte a cada lienzo sobreviviente en una ventana preciosa al estilo maduro y las preocupaciones espirituales de Rembrandt. En el corazón de la pintura, Rembrandt captura a Santiago no en el acto de predicar o de martirio, sino en un momento de oración solitaria.

El apóstol se muestra sentado, con las manos fuertemente entrelazadas, su rostro desgastado iluminado por una suave luz que busca, que esculpe cada arruga y surco: un lenguaje visual de una vida de dificultades y devoción. El bastón del peregrino y la concha de vieira, emblemas tradicionales de Santiago, descansan tranquilamente a su lado, señalando su identidad y el viaje que representa. A diferencia de las representaciones anteriores de artistas como El Greco, que a menudo pintaban a los apóstoles como visionarios etéreos, el Santiago de Rembrandt es profundamente humano: cansado, esperanzado y completamente absorto en su comunión silenciosa. La historia física de Santiago el Mayor orando es tan enigmática como su sujeto.

Aunque el patrono original sigue siendo desconocido, la pintura ha pasado por las manos de coleccionistas privados y fue parte de la célebre colección del banquero parisino Édouard André en el siglo XIX. Hoy en día, reside en el Museo del Prado, donde se erige como un testimonio del período tardío de Rembrandt, marcado por un pincel suelto y un enfoque en la vida interior. La serie de apóstoles a la que pertenece se considera uno de los últimos grandes logros del artista, pintada en un momento de dificultades personales y angustia financiera, pero que revela una capacidad inalterada para la empatía y la innovación.