Cuando Pierre-Auguste Renoir pintó Mujer atándose el zapato en 1918, se encontraba cerca del final de su vida, afectado por una grave artritis reumatoide. A pesar de sus limitaciones físicas—con las manos tan deformadas que los pinceles tenían que ser atados a ellas—Renoir continuó trabajando a diario, produciendo algunas de sus obras más íntimas y tiernas de su última etapa. Esta pintura pertenece a ese notable período final, cuando Renoir se rodeó de modelos y amigos en su hogar en Cagnes-sur-Mer, decidido a "pintar con sus ojos" incluso cuando su cuerpo le fallaba.

El tema aquí, una mujer absorta en un momento privado, refleja la fascinación de toda la vida del artista por la belleza de los gestos cotidianos. La escena captura a una joven, con la cabeza inclinada, concentrada en atarse el zapato. Su postura es relajada pero concentrada, su figura bañada en la cálida luz dorada que impregna muchos de los interiores tardíos de Renoir. La pincelada suelta y fluida—tan característica de Renoir—suaviza los límites entre la carne, la tela y el fondo, creando una sensación de unidad y confort.

El espectador es invitado a un momento de tranquila domesticidad, donde el acto de atarse un zapato se convierte en una ocasión para observar la gracia y la intimidad. A diferencia de las composiciones más formales de Edgar Degas, quien a menudo representaba a mujeres en su tocador con un sentido de desapego o incluso voyeurismo, el enfoque de Renoir es afectuoso, enfatizando la suave absorción de la modelo en su propio mundo. La procedencia precisa de Mujer atándose el zapato no está completamente documentada, pero es típico de las obras tardías que Renoir produjo para coleccionistas privados y amigos en lugar de para exhibición pública. El medio de la pintura es incierto—posiblemente óleo sobre lienzo o tabla, como era común en sus últimos años.

Hoy en día, se erige como un testimonio de la resiliencia de Renoir y su inquebrantable dedicación a pintar los placeres de la vida cotidiana, incluso frente a grandes adversidades personales. La obra se cita a menudo como un ejemplo del optimismo perdurable del maestro Impresionista y su capacidad para encontrar belleza en los actos más simples.