Lorsque Paolo Veronese a peint son Adoration des Bergers (II) en 1558, il était déjà connu pour revenir à la même scène biblique sur plusieurs toiles, chaque fois en changeant le casting, le cadre ou l'ambiance. Cette répétition n'était pas un simple habitude : la Nativité était l'un des sujets les plus populaires parmi les mécènes vénitiens, et les versions de Veronese étaient si recherchées que, selon les premiers inventaires, au moins trois peintures distinctes d'Adoration ont quitté son atelier en une décennie. L'existence de multiples versions a conduit à des débats continus parmi les historiens de l'art sur laquelle a été peinte en premier et laquelle reflète le mieux les intentions de Veronese. Dans cette version, Veronese choisit le moment où les humbles bergers, ayant entendu l'annonce angélique, s'agenouillent avec émerveillement devant le Christ nouveau-né.

L'artiste dispose les figures en un large arc, attirant le regard du spectateur des visages rugueux et marqués des bergers vers le nourrisson lumineux au centre, dont la radiance éclaire la paille et les visages autour de lui. La robe bleue de Marie, rendue dans un pigment profond et saturé, ancre la composition, tandis que Joseph se tient protecteur à proximité. La présence d'un chien, un détail que Veronese incluait souvent, signale les origines rustiques des bergers.

Comparée à la Adoration des Bergers ultérieure de Caravaggio, la scène de Veronese est moins ombragée, imprégnée plutôt d'une lumière vénitienne dorée qui parle d'espoir et de révélation. L'histoire précise précoce de Adoration des Bergers (II) est incertaine, car les archives de l'atelier de Veronese ne précisent pas son patron original. Comme beaucoup de ses œuvres religieuses, elle a probablement été commandée pour une église ou une chapelle privée à Venise, reflétant l'appétit de la ville pour de grands et colorés retables. Au fil des siècles, l'attribution de la peinture n'a jamais été sérieusement remise en question, grâce à sa palette distinctive et à l'agencement théâtral des figures, caractéristiques du style de Veronese à l'apogée de la Renaissance vénitienne.

Aujourd'hui, la peinture est conservée dans une grande collection européenne, où elle continue d'inviter les spectateurs à la chaleur et au drame de la Nativité telle qu'imaginée par l'un des plus grands coloristes de Venise.