Als Paolo Veronese 1558 sein Anbetung der Hirten (II) malte, war er bereits dafür bekannt, dass er immer wieder dieselbe biblische Szene in mehreren Leinwänden darstellte, wobei er jedes Mal die Besetzung, den Schauplatz oder die Stimmung veränderte. Diese Wiederholung war kein bloßer Brauch: Die Nativität war eines der beliebtesten Themen unter den venezianischen Mäzenen, und Veroneses Versionen waren so begehrt, dass laut frühen Inventaren innerhalb eines Jahrzehnts mindestens drei verschiedene Adoration-Gemälde seine Werkstatt verließen. Die Existenz mehrerer Versionen hat zu anhaltenden Debatten unter Kunsthistorikern geführt, welche zuerst gemalt wurde und welche Veroneses Absichten am besten widerspiegelt. In dieser Version wählt Veronese den Moment, in dem die bescheidenen Hirten, nachdem sie die himmlische Ankündigung gehört haben, ehrfurchtsvoll vor dem neugeborenen Christus niederknien.

Der Künstler arrangiert die Figuren in einem weiten Bogen und lenkt den Blick des Betrachters von den rauen, wettergegerbten Gesichtern der Hirten zu dem leuchtenden Kind in der Mitte, dessen Strahlkraft das Stroh und die Gesichter um ihn herum erhellt. Marias blaue Robe, die in tiefen, gesättigten Pigmenten dargestellt ist, verankert die Komposition, während Joseph schützend in der Nähe steht. Die Anwesenheit eines Hundes, ein Detail, das Veronese oft einfügte, signalisiert die rustikale Herkunft der Hirten.

Im Vergleich zu Caravaggios späterer Adoration of the Shepherds ist Veroneses Szene weniger schattiert und durchdrungen von einem goldenen venezianischen Licht, das von Hoffnung und Offenbarung spricht. Die genaue frühe Geschichte von Anbetung der Hirten (II) ist ungewiss, da die Aufzeichnungen aus Veroneses Atelier seinen ursprünglichen Mäzen nicht spezifizieren. Wie viele seiner religiösen Werke wurde es wahrscheinlich für eine Kirche oder private Kapelle in Venedig in Auftrag gegeben, was den Appetit der Stadt auf große, farbenfrohe Altäre widerspiegelt. Im Laufe der Jahrhunderte wurde die Zuschreibung des Gemäldes nie ernsthaft in Frage gestellt, dank seiner charakteristischen Palette und der theatralischen Anordnung der Figuren, die Markenzeichen von Veroneses Stil zur Blütezeit der venezianischen Renaissance sind.

Heute befindet sich das Gemälde in einer bedeutenden europäischen Sammlung, wo es weiterhin die Betrachter in die Wärme und das Drama der Nativität einlädt, wie sie von einem der größten Koloristen Venedigs imaginiert wurde.