Lorsque Peter Paul Rubens a peint Ange gardant le tombeau du Christ en 1611, il était à l'apogée de sa renommée à Anvers, fraîchement revenu d'Italie et recherché par les plus riches mécènes d'Europe. Ce qui rend cette œuvre remarquable, c'est sa rareté : peu d'artistes de l'époque baroque ont choisi de se concentrer sur l'ange solitaire au tombeau, plutôt que sur la Résurrection elle-même ou sur les femmes arrivant dans le deuil. L'interprétation de Rubens se distingue, capturant un moment de tension entre la mort et la révélation de la résurrection.

La commande de la peinture reste un mystère, mais son sujet et son style suggèrent qu'elle était destinée à la dévotion privée plutôt qu'à l'exposition publique. La scène se déroule dans le silence du petit matin, juste après la crucifixion. L'ange, radieux dans un blanc et or éclatants, se tient en sentinelle à côté du tombeau vide, une main levée à la fois en avertissement et en réassurance. La pierre a été roulée, son poids étant un écho visuel du miracle qui vient d'être accompli.

Rubens remplit le visage de l'ange d'un mélange de solennité et de doux triomphe, en contraste avec les anges plus dramatiques et musclés que l'on voit dans l'œuvre de Caravaggio. La lumière descend d'en haut, illuminant l'ange et projetant le tombeau dans l'ombre, soulignant le passage de l'obscurité à l'espoir. La lance et le bouclier aux côtés de l'ange ne sont pas destinés à la bataille, mais à la défense d'un mystère sacré. L'histoire précoce de la peinture est incertaine, comme c'est souvent le cas avec les œuvres religieuses plus petites de Rubens.

Aucun document de commande original n'a survécu, et le médium lui-même est débattu : certains pensent qu'il s'agit d'huile sur panneau, d'autres suggèrent la toile. Elle a passé par plusieurs collections privées, n'apparaissant dans les inventaires qu'au XIXe siècle, avant d'entrer dans un musée public. Aujourd'hui, Ange gardant le tombeau du Christ est valorisé comme une rare méditation sur la vigilance et la foi au sein de l'œuvre plus large de Rubens, reliant ses grands retables et ses images dévotionnelles plus intimes.

Son drame contenu et sa palette lumineuse en font une œuvre de la période mature de l'artiste, lorsqu'il affinait la clarté émotionnelle pour laquelle il est encore célébré.