Lorsque Giovanni Bellini peignit L'ivresse de Noé en 1515, il approchait de la fin d'une longue et influente carrière, mais choisit d'aborder un sujet rarement vu dans l'art vénitien. L'épisode biblique, tiré de la Genèse, avait été représenté par des artistes du Nord comme Albrecht Dürer, mais la version de Bellini se distingue comme l'un des rares traitements italiens de ce moment. Son apparition dans son œuvre un an avant sa mort a conduit les chercheurs à se demander si le peintre vieillissant voyait dans l'histoire de Noé une réflexion sur la fragilité humaine et le passage du temps. La scène capture les conséquences du Déluge : Noé, ayant planté une vigne, est étendu et exposé dans un sommeil ivre, tandis que ses fils Cham, Sem et Japhet réagissent.

Bellini choisit le moment où Cham découvre la nudité de son père, gesticulant d'alarme, tandis que ses frères détournent respectueusement les yeux et se déplacent pour couvrir Noé d'un manteau. La composition est soigneusement équilibrée : le corps vulnérable de Noé au centre, flanqué par les différentes réactions de ses fils. La palette riche et chaude et le doux modelé de la chair rappellent les œuvres religieuses antérieures de Bellini, mais ici la tension psychologique est intensifiée.

Contrairement au Noé plus musclé et monumental de Michel-Ange dans la Chapelle Sixtine, le patriarche de Bellini est fragile, presque pitoyable, et le paysage derrière lui est luxuriant, suggérant à la fois renouveau et l'ombre persistante du péché. Les origines précises de L'ivresse de Noé restent incertaines ; aucune documentation précoce de sa commande ne subsiste, et le médium lui-même est débattu—certains suggèrent de l'huile sur toile, d'autres sur panneau. Ce qui est clair, c'est que la peinture reflète le style tardif de Bellini, marqué par des contours plus doux et une ambiance méditative. Au fil des siècles, l'œuvre a traversé des collections privées et, comme beaucoup des pièces tardives de Bellini, a parfois été éclipsée par ses plus célèbres retables.

Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la curiosité durable de l'artiste et de sa capacité à trouver de nouvelles significations dans de vieilles histoires, même à la fin de sa carrière.