Lorsque Europe et le Taureau a quitté l'atelier de Paolo Veronese vers 1580, il a rejoint une longue tradition de peintures vénitiennes qui ont transformé le mythe ancien en un spectacle de couleur et de drame. L'histoire était si appréciée dans la Venise de la Renaissance que trois grands artistes au moins—Titien, Tintoret et le propre Veronese—ont peint leurs propres versions en quelques décennies. Ce qui distingue l'œuvre de Veronese, c'est sa théâtralité : il met en scène l'enlèvement d'Europe non pas comme un mythe lointain, mais comme un tableau vivant, avec des figures qui semblent sortir de la toile et entrer dans le monde du spectateur. Au centre de la scène, Europe se tient incertaine sur le dos d'un taureau blanc—Zeus déguisé—tandis que ses compagnons se pressent sur le rivage, leurs gestes pris entre l'alarme et la fascination.

Veronese choisit le moment exact où Europe, agrippant la corne du taureau et une chaîne dorée, est sur le point d'être emportée à travers la mer. Les tissus luxueux et les perles parlent de son statut royal, tandis que l'expression douce, presque espiègle du taureau contraste avec la tension dans la posture d'Europe. Contrairement à la version de Titien, qui baigne la scène dans l'ombre et l'ambiguïté, Veronese baigne ses figures dans une lumière claire, soulignant le spectacle et la sensualité du moment. L'histoire précise et précoce de cette peinture n'est pas entièrement documentée, mais elle a probablement été créée pour un mécène vénitien privé, reflétant la fascination de la ville pour les thèmes mythologiques et son appétit pour de grandes toiles décoratives.

Au fil des siècles, Europe et le Taureau a voyagé à travers plusieurs collections, parfois attribuée à l'atelier ou aux suiveurs de Veronese, mais toujours admirée pour sa palette vibrante et sa composition théâtrale. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage du style tardif de Veronese, où le mythe devient spectacle et la narration est inséparable du pur plaisir de la peinture.