En 1657, Rembrandt van Rijn a peint Pallas Athénée à la demande du collectionneur d'art d'Amsterdam Jan Six, qui est censé l'avoir commandée en hommage à sa fille, Lucretia. Cette œuvre se distingue comme l'un des rares portraits mythologiques à grande échelle de Rembrandt, et ses origines sont enveloppées dans les ambitions sociales de l'élite d'Amsterdam. La renommée de la peinture a grandi lorsqu'elle a été exposée dans la maison de la famille Six, où elle a été admirée par des visiteurs pendant des générations.

Les chercheurs ont longtemps noté son mélange inhabituel de portrait et de mythologie, suscitant un débat sur le fait que le visage d'Athena soit modelé sur une personne réelle—peut-être Lucretia Six elle-même. Au cœur de la peinture, Rembrandt capture Athena, déesse de la sagesse et de la guerre, à un moment de calme mesuré plutôt qu'en action. Elle se tient, armée d'un casque et d'une cuirasse brillants, son regard est stable et intelligent, une main reposant sur une lance, l'autre sur son bouclier. La chaîne dorée autour de son cou et la tête de Méduse sur sa cuirasse signalent son statut divin et son pouvoir.

Contrairement aux représentations exubérantes et dynamiques d'Athena par Rubens, Rembrandt infuse sa déesse de gravité et d'introspection, utilisant des ombres profondes et des tons chauds et terreux pour suggérer à la fois la vulnérabilité humaine et la force immortelle. La lumière tombe sur son visage, attirant le spectateur dans son expression réfléchie—une rare profondeur psychologique pour un sujet mythologique. Le parcours de la peinture a été aussi légendaire que son sujet. Après avoir été dans la collection de la famille Six pendant plus de deux siècles, Pallas Athénée a changé de mains plusieurs fois aux XIXe et XXe siècles, passant par les collections d'aristocrates et de collectionneurs européens.

Son attribution à Rembrandt a été remise en question, mais l'analyse technique et la comparaison stylistique ont depuis confirmé son autorité. Aujourd'hui, Pallas Athénée est conservée au Musée Calouste Gulbenkian à Lisbonne, où elle se dresse comme un témoignage de la fascination de Rembrandt pour le caractère et le mythe à la fin de sa carrière. La peinture marque un moment où l'artiste, approchant de la fin de sa vie, s'est tourné vers de grands thèmes avec une vision singulièrement personnelle.