Nel 1657, Rembrandt van Rijn dipinse Palas Atena su richiesta del collezionista d'arte di Amsterdam Jan Six, che si crede l'abbia commissionata come tributo a sua figlia, Lucretia. Quest'opera si distingue come uno dei pochi ritratti mitologici di grande formato di Rembrandt, e le sue origini sono avvolte nelle ambizioni sociali dell'élite di Amsterdam. La fama del dipinto crebbe quando fu esposto nella casa della famiglia Six, dove fu ammirato dai visitatori per generazioni.

Gli studiosi hanno a lungo notato la sua insolita fusione di ritrattistica e mitologia, suscitando un dibattito su se il volto di Atena sia modellato su una persona reale—possibilmente la stessa Lucretia Six. Nel cuore del dipinto, Rembrandt cattura Atena, dea della saggezza e della guerra, in un momento di calma misurata piuttosto che di azione. Ella si erge, armata con un casco e una corazza lucenti, il suo sguardo è fermo e intelligente, una mano poggiata su una lancia, l'altra sul suo scudo. La catena dorata attorno al suo collo e la testa di Medusa sulla sua corazza segnalano il suo status divino e potere.

A differenza delle rappresentazioni esuberanti e dinamiche di Atena di Rubens, Rembrandt infonde alla sua dea gravità e introspezione, utilizzando ombre profonde e toni caldi e terrosi per suggerire sia la vulnerabilità umana che la forza immortale. La luce cade sul suo volto, attirando lo spettatore nella sua espressione pensierosa—una rara profondità psicologica per un soggetto mitologico. Il viaggio del dipinto è stato altrettanto leggendario quanto il suo soggetto. Dopo essere rimasto nella collezione della famiglia Six per oltre due secoli, Palas Atena cambiò più volte di mano nei secoli XIX e XX, passando attraverso le collezioni di aristocratici e collezionisti europei.

La sua attribuzione a Rembrandt è stata messa in discussione, ma l'analisi tecnica e il confronto stilistico hanno da allora confermato la sua paternità. Oggi, Palas Atena è custodita nel Museo Calouste Gulbenkian di Lisbona, dove si erge come testimonianza della fascinazione di Rembrandt per il carattere e il mito nel suo periodo finale. Il dipinto segna un momento in cui l'artista, avvicinandosi alla fine della sua vita, si è rivolto a grandi temi con una visione singolarmente personale.