Lorsque Rembrandt van Rijn a peint Portrait d'une vieille femme (Profétisse Anne) en 1639, il était à l'apogée de sa fascination pour les visages âgés, cherchant des modèles dont les traits parlaient de longues années et d'une profonde expérience. Cette peinture est souvent liée à la propre mère de Rembrandt, qui aurait posé pour plusieurs de ses œuvres, bien qu'il n'y ait aucune preuve définitive qu'elle ait posé pour celle-ci. L'identité de la modèle en tant que profétisse Anne n'est pas enregistrée dans aucun document contemporain, et l'association biblique semble être apparue plus tard, laissant ouverte la question de savoir si Rembrandt avait l'intention de raconter une histoire spécifique ou simplement de réaliser une étude de caractère.

La peinture se dresse comme l'un des exemples les plus convaincants de la capacité de Rembrandt à fusionner portrait et narration, brouillant la frontière entre vies réelles et imaginées. L'histoire d'Anne, telle qu'elle est racontée dans l'Évangile de Luc, est celle d'une vieille veuve qui passait ses journées au Temple, attendant la venue du Messie. Rembrandt la capture à un moment de réflexion tranquille, les mains jointes sur un grand livre—probablement une Bible—les yeux baissés en contemplation. Les lourds plis de son manteau et le simple couvre-chef blanc la désignent comme une figure d'humilité et de dévotion.

La lumière tombe doucement sur son visage, illuminant les rides et la douceur de sa peau, suggérant à la fois sagesse et vulnérabilité. Contrairement aux représentations grandioses et théâtrales d'artistes tels que Rubens, l'Anne de Rembrandt est intime et dépouillée, sa sainteté révélée par la patience et l'âge plutôt que par des symboles évidents. La provenance précoce de Portrait d'une vieille femme (Profétisse Anne) reste incertaine, tout comme celle de nombreuses études de figure unique de Rembrandt des années 1630. Il est probable que la peinture ait été créée pour le marché ouvert plutôt que pour un mécène spécifique, reflétant la demande d'études de caractère dans la République néerlandaise.

Au fil des siècles, l'œuvre a été alternativement attribuée comme un portrait et comme une figure biblique, et elle a passé entre les mains de collectionneurs qui appréciaient la perspicacité psychologique de Rembrandt. Aujourd'hui, la peinture est célébrée comme un exemple clé de son style mature, où le jeu de lumière et l'honnêteté de l'observation se rejoignent pour créer un sens de présence qui est aussi convaincant aujourd'hui qu'il l'était il y a près de quatre siècles.