Quando Rembrandt van Rijn dipinse Ritratto di una donna anziana (Profetessa Anna) nel 1639, era al culmine della sua fascinazione per i volti invecchiati, cercando modelli le cui caratteristiche parlavano di lunghi anni e profonda esperienza. Questo dipinto è spesso collegato alla madre di Rembrandt, che si crede abbia posato per diverse sue opere, sebbene non ci siano prove definitive che lei abbia posato per questa. L'identità della modella come profetessa Anna non è registrata in alcun documento contemporaneo, e l'associazione biblica sembra essere emersa successivamente, lasciando aperta la questione se Rembrandt intendesse una narrazione specifica o semplicemente uno studio di carattere.

Il dipinto si erge come uno degli esempi più convincenti della capacità di Rembrandt di fondere ritratto e narrazione, sfumando la linea tra vite reali e immaginate. La storia di Anna, come raccontato nel Vangelo di Luca, è quella di una vedova anziana che trascorreva le sue giornate nel Tempio, aspettando la venuta del Messia. Rembrandt la cattura in un momento di quieta riflessione, con le mani giunte su un grande libro—probabilmente una Bibbia—e gli occhi abbassati in contemplazione. Le pesanti pieghe del suo mantello e il semplice copricapo bianco la contraddistinguono come una figura di umiltà e devozione.

La luce cade dolcemente sul suo volto, illuminando le rughe e la morbidezza della sua pelle, suggerendo sia saggezza che vulnerabilità. A differenza delle grandiose e teatrali rappresentazioni di artisti come Rubens, l'Anna di Rembrandt è intima e spoglia, la sua santità rivelata attraverso la pazienza e l'età piuttosto che da simboli evidenti. La provenienza iniziale di Ritratto di una donna anziana (Profetessa Anna) rimane incerta, come molte delle opere di studio di figura singola di Rembrandt degli anni '30 del Seicento. È probabile che il dipinto sia stato creato per il mercato aperto piuttosto che per un mecenate specifico, riflettendo la domanda di studi di carattere nella Repubblica Olandese.

Nel corso dei secoli, l'opera è stata alternativamente attribuita come un ritratto e come una figura biblica, ed è passata tra le mani di collezionisti che apprezzavano l'intuizione psicologica di Rembrandt. Oggi, il dipinto è celebrato come un esempio chiave del suo stile maturo, dove il gioco di luce e l'onestà dell'osservazione si uniscono per creare un senso di presenza che è tanto convincente ora quanto lo era quasi quattro secoli fa.