La première chose qui attire l'œil dans Le Sens de la Vue est le jeu des regards : une femme richement vêtue, son corps tordu dans un moment d'attention posée, ne nous regarde pas mais son propre reflet tenu en l'air dans un petit miroir. Son regard est acéré, presque évaluatif, et la surface inclinée du miroir lui renvoie son visage avec juste assez de distorsion pour nous rappeler que la vue est à la fois un don et une énigme. La lumière s'accumule sur son épaule nue et les plis brillants de sa jupe dorée, nous attirant dans les textures luxuriantes de la scène et le subtil drame de l'auto-considération.

La plume de paon dans ses cheveux, les bijoux élaborés et le drapé cramoisi derrière elle évoquent un monde d'exhibition et de perception — où voir et être vu sont indissociables. Des œuvres comme celle-ci, peintes dans les années 1630 et attribuées à Abraham Janssens, appartiennent à une tradition de peintures allégoriques qui a prospéré à l'époque baroque, lorsque les artistes prenaient plaisir à donner une forme humaine aux cinq sens. Ces images étaient souvent commandées par des collectionneurs riches désireux d'exhiber à la fois leur goût et leur érudition, remplissant leurs maisons de rappels des pouvoirs — et des limites — de l'expérience humaine. À cette époque, les peintres d'Anvers comme Janssens étaient particulièrement habiles à combiner des références classiques avec le réalisme séduisant de leur époque ; le miroir ici n'est pas seulement un accessoire, mais un symbole de connaissance, de vanité et de l'acte toujours présent de regarder.

Bien que l'histoire ait conservé peu de traces de cette toile particulière, son foyer aujourd'hui dans la collection du Musée d'Art d'Indianapolis nous permet de voir, des siècles plus tard, comment la vue elle-même est devenue un sujet digne de spectacle.