Lorsque Printemps quitta l'atelier de Nicolas Poussin en 1662, il complétait un cycle remarquable : quatre toiles, chacune capturant une saison, commandées par le Duc de Richelieu pour son palais parisien. La série est rapidement devenue l'un des trésors les plus convoités de l'aristocratie française, au point que, en quelques décennies, les peintures furent séparées et éparpillées dans des collections à travers l'Europe. Cette dispersion a alimenté des siècles de débats parmi les collectionneurs et les érudits, qui ont suivi les voyages de chaque saison avec un zèle presque de détective. Dans Printemps, Poussin choisit le moment de l'Éden avant la Chute, une vision d'innocence et d'harmonie.

Adam et Ève se tiennent au milieu d'une végétation luxuriante, leurs gestes sont doux et nonchalants, comme si le temps lui-même était suspendu. La lumière tombe doucement sur leurs corps, illuminant l'abondance de fleurs et de fruits — un signe de la générosité de la nature et de la fraîcheur du monde à son aube. La présence d'animaux, paissant paisiblement, souligne cette harmonie, tandis que la rivière lointaine suggère la force vitale de l'eau.

Contrairement aux Édens animés et complexes de Jan Brueghel l'Ancien, Poussin opte pour la clarté et l'ordre, guidant le regard avec une retenue classique plutôt qu'un détail écrasant. Le destin de Printemps a reflété le tumulte de la collection européenne : après sa création, il est passé par plusieurs mains illustres, y compris la collection royale française, avant de finalement trouver un foyer au Louvre. La renommée du cycle a cimenté la réputation de Poussin en tant que maître de l'allégorie et de la narration, influençant des générations de peintres cherchant à marier idéaux classiques et observation naturelle. Aujourd'hui, Printemps se dresse non seulement comme un témoignage de la vision de Poussin, mais aussi comme un témoin des marées changeantes de goût et de pouvoir qui ont façonné l'histoire de la collection d'art.