Quando William Blake espose Adamo che nomina gli animali nel 1810, lo accompagnò con una voce di catalogo scritta a mano, insistendo che la sua visione dell'Eden non era "né dalla memoria né dall'immaginazione, ma da una dettatura immediata." Questa audace affermazione distinse Blake dai suoi contemporanei, che spesso si basavano su iconografia consolidata per le scene bibliche. L'opera si erge come una delle poche acqueforti bibliche su larga scala che Blake completò per l'esposizione pubblica, e la sua paternità e datazione non sono mai state messe in dubbio, una rarità nel suo corpus. Blake cattura il momento descritto nella Genesi in cui Adamo, appena creato, è incaricato di dare nome agli animali. Invece di una sfilata di creature esotiche, l'Eden di Blake è intimo: Adamo è in ginocchio, con la mano tesa, mentre un leone e un agnello si avvicinano con dolce curiosità, mentre gli uccelli svolazzano sopra.

La docilità degli animali e la postura umile di Adamo suggeriscono un'armonia tra umanità e natura, una visione distinta dalle interpretazioni più gerarchiche di artisti come Jan Brueghel il Vecchio, il cui Paradiso trabocca di specie catalogate. Il fogliame vorticoso di Blake e la sua palette luminosa evocano un mondo ancora fresco dalla creazione, dove l'atto di nominare è un atto di comunione piuttosto che di dominio. Il medium originale di Adamo che nomina gli animali rimane incerto; probabilmente acquerello con penna e inchiostro, applicato su carta, come era consuetudine per Blake per i suoi soggetti biblici. Il dipinto non fu mai commissionato; invece, Blake lo espose nella sua casa, cercando riconoscimento da un pubblico che spesso fraintendeva il suo stile visionario.

È passato silenziosamente attraverso mani private prima di entrare nella collezione della Tate Gallery, dove rimane oggi. Nel contesto della carriera di Blake, quest'opera segna un periodo di intensa convinzione personale e isolamento creativo, fungendo da testimonianza della sua unica fusione di poesia, profezia e pittura.