Nel 1625, Peter Paul Rubens rivolse la sua attenzione al drammatico destino di Lot, un soggetto che aveva già affascinato artisti e collezionisti in tutta Europa. Ciò che rende quest'opera particolarmente coinvolgente è che Rubens la dipinse durante un periodo di intensa turbolenza politica e religiosa nei Paesi Bassi spagnoli, quando i racconti biblici di distruzione e liberazione risuonavano profondamente con il suo pubblico. Il dipinto è una delle diverse versioni che Rubens creò di questo episodio dell'Antico Testamento, reinventando ogni volta il momento della fuga con nuova urgenza e scala.

La popolarità duratura della storia si riflette nel fatto che anche durante la vita di Rubens, copie e adattamenti iniziarono a circolare tra i collezionisti desiderosi della sua visione di salvezza divina. La scena cattura l'istante preciso in cui Lot e la sua famiglia fuggono dalla città condannata di Sodoma, guidati da un angelo il cui braccio teso li esorta ad andare avanti. Dietro di loro, Sodoma brucia in una tempesta di fuoco e fumo, un'eco visiva dell'avvertimento biblico di non guardare indietro. La moglie di Lot, già in procinto di voltarsi, prefigura il suo destino come pilastro di sale, mentre le sue figlie si aggrappano al padre, i loro volti esprimono una miscela di terrore e incredulità.

I drappeggi vorticosi di Rubens e le figure muscolose intensificano la sensazione di movimento e pericolo, un marchio dell'energia barocca che portò alle narrazioni religiose. Rispetto all'incisione più contenuta di Albrecht Dürer sulla stessa storia, la versione di Rubens è tutta calore, carne e fuga urgente. La storia precoce del dipinto non è completamente documentata, ma probabilmente apparteneva a un collezionista di spicco ad Anversa, dove lo studio di Rubens era al suo massimo in termini di produttività e influenza. Nel corso dei secoli, Lot e la sua famiglia che lasciano Sodoma è passata attraverso diverse collezioni europee, riflettendo l'appeal duraturo dei drammi biblici di Rubens.

Oggi, l'opera si erge come un esempio vivido dello stile maturo dell'artista, con i suoi colori audaci e la composizione dinamica. Sebbene il mezzo esatto sia incerto, la robusta lavorazione del dipinto e gli effetti luminosi sono tipici della tecnica a olio di Rubens. Rimane una testimonianza della sua capacità di trasformare storie familiari in scene di dramma fisico immediato, assicurando il suo posto nel cuore del movimento barocco.