Quando Rembrandt van Rijn dipinse Ritratto di Catrina Hoogsaet nel 1657, stava lavorando per una delle donne più indipendenti di Amsterdam. Catrina Hoogsaet era una mennonita benestante, membro di una minoranza religiosa nota per il suo pacifismo e la sua semplicità, eppure commissionò il suo ritratto al ritrattista più ricercato dell'età dell'oro olandese. La fama del dipinto si basa in parte sul rifiuto della modella di conformarsi: appare senza anello nuziale, nonostante sia sposata, e il suo pappagallo domestico si posa al suo fianco, un tocco raro e personale nella ritrattistica olandese del XVII secolo.

Il pappagallo, in particolare, suscitò commenti anche ai tempi di Rembrandt, poiché i pappagalli erano sia animali esotici da compagnia che simboli di mondanità. Il momento scelto da Rembrandt è di tranquilla autoconfidenza: Catrina è seduta dritta, il suo sguardo è diretto, le sue labbra leggermente serrate come se stesse per parlare. È vestita di nero sobrio, in linea con la consuetudine mennonita, ma un delicato colletto di pizzo e polsini bianchi raffinati suggeriscono la sua prosperità. Il pappagallo, reso con la stessa cura della sua padrona, si trova su un trespolo accanto a lei, simbolo sia di domesticità che di individualità.

La luce proviene da sinistra, illuminando il suo viso e le sue mani, attirando l'attenzione dello spettatore sulla sua espressione e sulle texture nitide dei suoi vestiti. A differenza dei ritratti più formali e distaccati di Frans Hals, l'approccio di Rembrandt ci invita in un mondo privato, suggerendo una relazione di fiducia tra artista e modella. Il dipinto è rimasto nella famiglia Hoogsaet per generazioni prima di passare attraverso diverse collezioni private in Gran Bretagna. È stato a lungo ammirato per la sua profondità psicologica e brillantezza tecnica, e la sua attribuzione a Rembrandt non è mai stata seriamente messa in discussione, il che è insolito per un ritratto di questo periodo.

Oggi, Ritratto di Catrina Hoogsaet è conservato nel Castello di Penrhyn, in Galles, dove si erge come un testimone dello stile tardivo dell'artista: ampie pennellate testurizzate, una tavolozza di marroni profondi e dorati, e un'onestà incrollabile nella rappresentazione del carattere. L'opera segna uno degli ultimi grandi incarichi privati della carriera di Rembrandt, dipinta solo due anni prima della sua morte, e rimane un raro sguardo su una donna che ha vissuto secondo i propri termini.