Ciò che colpisce per primo nell'Ritratto di Madame de Flesselles è lo sguardo calmo e sicuro della ritrattata, che incontra lo spettatore con una dolce fiducia che sembra essere sia personale che teatrale. La sua pelle pallida brilla contro il profondo drappeggio verde che la avvolge, come se fosse appena emersa da un mito o da un'allegoria piuttosto che da un salone parigino. L'artista, Jean-Marc Nattier, la incornicia in un paesaggio lussureggiante, quasi onirico, con canne e acqua che scorrono al suo fianco, e un'urna classica che versa il suo contenuto come un sottile cenno all'abbondanza o forse alla stessa persona coltivata della ritrattata.

Ogni piega di tessuto e ogni riflesso della sua collana di perle è reso con una precisione che invita lo sguardo a soffermarsi, suggerendo sia lusso che facilità. Questo tipo di ritratto era la valuta di status e gusto nella Francia di metà Settecento, un'epoca in cui la corte e i suoi imitatori commissionavano ritratti che lusingavano tanto quanto documentavano. Nattier era celebrato per trasformare i suoi soggetti in figure mitologiche o allegoriche, sfumando la linea tra realtà e ideale. Il mondo che ha prodotto questo dipinto era uno di ruoli in cambiamento per le donne di rango, che utilizzavano il ritratto per plasmare la loro immagine pubblica tanto quanto la loro memoria privata.

Sebbene poco si documenti sul viaggio di quest'opera particolare, sappiamo che è stata registrata in una collezione privata alla fine del 2016; la storia ha lasciato poche tracce, ma il dipinto stesso rimane un vivido testamento delle aspirazioni e dell'arte del suo tempo. Guarda di nuovo come la sua mano riposa sull'urna: è un gesto al contempo composto e simbolico, che ci invita a immaginare le storie dietro la serena facciata della ritrattata.