Quando Abraham Bloemaert dipinse L'Incendio di Troia, si unì a una lunga tradizione di artisti olandesi e fiamminghi affascinati dalla caduta delle città antiche. La storia della distruzione di Troia, immortalata nell'Eneide di Virgilio, era un soggetto preferito alla fine del XVI e all'inizio del XVII secolo, un periodo in cui l'Europa stessa era segnata da guerre e tumulti. L'interpretazione di Bloemaert si distingue per la sua energia drammatica e la composizione affollata, che alcuni studiosi credono possa essere stata ispirata dai tumulti della Guerra degli Ottant'anni.

Sebbene la data esatta e la commissione di questo dipinto siano sconosciute, la sua sopravvivenza attesta la fascinazione duratura per la tragica fine di Troia. Al centro di L'Incendio di Troia c'è il momento in cui la città, tradita dal cavallo di legno dei Greci, viene consumata dal fuoco e dal caos. Bloemaert riempie la tela con figure disperate: guerrieri che si scontrano in primo piano, donne e bambini che fuggono o vengono trascinati via, e fiamme che lambiscono le grandiose torri in lontananza. L'uso da parte dell'artista di forti contrasti—la luce intensa dei fuochi contro ombre profonde—aumenta il senso di panico.

Notabilmente, la figura centrale potrebbe essere Enea, che porta il padre Anchise sulle spalle, un simbolo di pietà e sopravvivenza in mezzo alla distruzione. Questo focus sul dramma umano, piuttosto che solo sulla rovina architettonica, distingue la versione di Bloemaert da, ad esempio, La Caduta di Troia di Johann Georg Trautmann, che enfatizza il crollo della città piuttosto che la sofferenza del suo popolo. La storia precoce del dipinto rimane oscura, tipica delle opere di Bloemaert, che fu attivo a Utrecht e formò una generazione di pittori olandesi. È probabile che sia circolato tra collezionisti che apprezzavano le scene mitologiche per la loro risonanza morale ed emotiva.

Nel corso del tempo, L'Incendio di Troia è stata attribuita a vari membri del laboratorio di Bloemaert, riflettendo la natura collaborativa del suo studio e la popolarità del tema. Oggi, il dipinto è riconosciuto come un esempio significativo della pittura storica dell'Europa settentrionale, che collega il tardo Rinascimento e i primi periodi Barocchi, offrendo un'idea di come gli artisti dell'epoca affrontassero storie di perdita e sopravvivenza.