Ciò che colpisce l'occhio per primo in La morte di San Antonio Abate non è il dramma di un miracolo o lo spettacolo del martirio, ma l'intimità silenziosa e pressante del dolore. Il santo morente, il cui corpo è fragile e luminoso contro l'oscurità grezza della sua cella, è circondato da monaci i cui gesti parlano chiaro: uno piega la testa tra le braccia incrociate, un altro stringe la mano del santo, altri si avvicinano, i loro volti ombreggiati dalla tristezza e dalla cura. La composizione attira lo spettatore, le figure formano un cerchio protettivo, le loro vesti si fondono con l'oscurità dai toni terrosi, così che la luce sul petto e sul volto di San Antonio diventa un ultimo, delicato faro.

Ogni pennellata sembra urgente, incompiuta, come se l'artista stesse lottando per mantenere il momento prima che sfugga. Opere come questa, dipinte all'inizio del XVII secolo, erano spesso destinate alla devozione privata o come studi preparatori per grandi altari; qui, la qualità sciolta e schizzata suggerisce sia immediatezza che reverenza. Il soggetto, San Antonio Abate, era un favorito degli artisti della Controriforma, il suo leggendario ascetismo e le prove spirituali lo rendevano un modello di fede incrollabile. La fonte nota che Abraham Jansz.

van Diepenbeeck si ispirò al celebre altare di Rubens per la chiesa di San Giovanni, semplificando e ammorbidendo la grandezza dell'originale in qualcosa di più intimo e contemplativo. Sebbene poco sia registrato sulla commissione o sulla storia iniziale di quest'opera particolare, la sua presenza oggi nella Royal Collection ci invita a sostare con questi monaci nella loro veglia e a leggere nei loro gesti il potere duraturo del lutto e della speranza comunitaria.