Quando L'Arcobaleno fu esposto per la prima volta nel 1883, catturò l'attenzione del Salone di Parigi per la sua visione insolitamente speranzosa della vita rurale, un contrasto sorprendente con il realismo cupo che dominava gran parte del lavoro precedente di Jules Breton. I critici commentarono il suo ottimismo, con un recensore contemporaneo che notò come "Breton abbia trovato poesia nei campi, anche dopo la tempesta". La popolarità immediata del dipinto portò a numerose riproduzioni in incisioni e stampe, rendendolo una delle immagini più riconosciute della vita contadina francese alla fine del XIX secolo. Al centro di L'Arcobaleno c'è un momento di calma dopo le avversità: Breton scelse di mostrare un gruppo di giovani donne che tornano dai campi, i loro volti rivolti verso un brillante arco di colore che si estende nel cielo.

La terra appena bagnata, gli attrezzi sparsi e i semplici vestiti delle donne radicano la scena nella realtà quotidiana del lavoro agricolo. Eppure, l'arcobaleno stesso, dipinto con tonalità delicate e quasi trasparenti, segna rinnovamento e speranza – una promessa dopo la tempesta. L'attenzione di Breton al gioco di luci sul terreno bagnato e ai gesti delicati delle figure invita a un confronto con le rappresentazioni del lavoro rurale di Jean-François Millet, sebbene qui l'atmosfera sia più leggera e lirica. Il percorso fisico di L'Arcobaleno è meno documentato rispetto ad alcune delle altre opere di Breton, ma rimane un esempio rappresentativo del periodo successivo dell'artista, quando passò da temi più oscuri a scene di serenità rurale.

Sebbene il medium originale sia incerto – probabilmente olio su tela, come era tipico per Breton – il dipinto è stato ampiamente riprodotto sia in Europa che in America, contribuendo a consolidare la reputazione di Breton come figura di spicco del movimento Realista. Oggi, L'Arcobaleno è celebrato non solo per la sua abilità tecnica, ma anche per il suo raro sguardo di speranza nella vita quotidiana dei contadini francesi del XIX secolo.