Pochi soggetti hanno catturato l'immaginazione dei pittori del Barocco come la sofferenza di Cristo, e Anthony van Dyck è tornato a questo tema ripetutamente nel corso della sua carriera. Tra questi, Il disprezzo di Cristo (Cristo deriso) si distingue per l'intensità della sua emozione e per l'ambiguità che circonda le sue origini—non esiste alcun documento definitivo sul suo incarico o sulla sua provenienza iniziale, e la data esatta di esecuzione rimane incerta. Il dipinto è una delle diverse versioni di van Dyck che esplorano lo stesso momento, ognuna con sottili variazioni nella composizione e nell'umore, riflettendo la continua fascinazione dell'artista per il dramma psicologico della Passione. La scena si svolge al culmine dell'umiliazione di Cristo: dopo il suo arresto ma prima della Crocifissione, soldati romani e spettatori lo deridono e tormentano.

Van Dyck cattura l'istante in cui Cristo, legato e coronato di spine, sopporta sia il dolore fisico che le derisioni dei suoi catturatori. Le corde che legano le sue mani segnalano la sua impotenza, mentre i gesti beffardi—dita puntate, volti schernitori—sottolineano la crudeltà del momento. La luce cade in modo netto sul volto di Cristo, isolandolo in un mare di ombra e ostilità, una tecnica che ricorda l'uso del chiaroscuro da parte di Caravaggio per intensificare il dramma.

A differenza delle interpretazioni più contenute di Tiziano sullo stesso soggetto, la versione di van Dyck confronta lo spettatore con emozioni grezze e immediate. La storia precoce di Il disprezzo di Cristo (Cristo deriso) è avvolta nell'incertezza, come spesso accade con le opere religiose di van Dyck dei suoi periodi italiano e fiammingo iniziali. Mentre alcuni studiosi suggeriscono che potrebbe essere stata dipinta durante il suo soggiorno in Italia, altri la collocano tra i suoi incarichi successivi per la devozione privata. Nel corso del tempo, il dipinto è passato attraverso varie collezioni, a volte attribuito erroneamente o oscurato dai ritratti più grandiosi di van Dyck.

Oggi, si erge come un testimone dell'abilità dell'artista nel mescolare intensità narrativa con grazia pittorica, offrendo uno sguardo sulle pratiche devozionali e le ambizioni artistiche dell'era del Barocco.